Sandro Botticelli, Weibliches Idealbildnis (Bildnis der Simonetta Vespucci als Nymphe)
Pappelholz, 81,8 x 54 cm Frankfurt, Städel Museum
Foto: Ursula Edelmann – Artothek

Sandro Botticelli wurde 1445 in Florenz als Sohn des Gerbers Mariano di Vanni Filipepi geboren. In seiner Jugend begann er eine Lehre als Goldschmied, merkte aber bald, dass das Interesse an der Malerei größer war. Botticelli wurde Lehrling des berühmtesten Malers jener Zeit, Fra Filippo Lippi (1406–1469). Inspiriert vom Humanismus mallt Boticelli anfangs vor allem Allegorien, die gekennzeichent sind von blassen, überlangen Frauengestalten mit zarten Gesichtern und schwermütigem Blick -voller graziler Schönheit und eleganter Anmut. Botticellis Gemälde vermengen antiken Ideale, gotische Bilddarstellung und humanistische Ideale. So wie in Minerva und der Kentaur. Die schöne Göttin, gekleidet in ein durchsichtiges Nichts mit Hellebarde und Schild. Sanft und ein wenig melancholisch blickt sie am Kentaur vorbei, dem sie durch die Haare steichelt. Der Kentaur, Sinnbild für ungezügelte Lust und Leidenschaft blickt eher ängstlich und zweifelnd, lässt sich aber von der Göttin, die für Weisheit, Wissen und Kunst steht, besänftigen. Tugend und Weisheit besiegen unbändige Sinnenfreude.

Boticelli gewinnt schnell an Popularität und erhält wichtige öffentliche Aufträge. Sein Gönner wird der mächtige Bankier und Staatsmann Lorenzo die Medici. Diesen und andere Mitglieder der Familie porträtiert der Maler zum Dank. Ungeschnörkelt zeigt Botticelli die Mitglieder der Familie, meist mit ebenso melancholischem Blick wie in den Allegorien. Fahl leuchtet die Haut der Adligen, ihr Blick meist schwermütig, die Porträts oft im Profil gemalt.

Eines der bekanntesten Porträts, im Besitz des Städels, eröffnet die Ausstellung. Es ist das Idealbildnis einer jungen Dame, die wahrscheinlich mit Simonetta Vespucci, der geliebten Turnierdame von Lorenzos Bruder Giuliano de Medici, zu identifizieren ist. Es geht in diesem Bildnis nicht so sehr um ein lebensnahes Konterfei der Dargestellten als vielmehr um das auch in der zeitgenössischen Poesie reflektierte Ideal einer Frau, die sich durch vollkommene Schönheit und ebenso vollkommene Tugendhaftigkeit auszeichnet. Ein solches Ideal definiert sich nicht zuletzt durch die Auseinandersetzung mit der Antike: So trägt die Schöne ein Schmuckstück um den Hals, das offensichtlich auf eine antike Gemme mit der Darstellung von Apoll und Marsyas zurückgeht, die gleichfalls in der Ausstellung zu sehen ist. Botticellis berühmtes Bildnis des Giuliano aus der National Gallery of Art in Washington wird in Frankfurt dem Porträt seiner geliebten Simonetta gegenübergestellt. Was insbesondere bei den Porträts auffällt: Keiner malte Augenwimpern je so schön und zart wie Botticelli.

Das Spätwerk Botticellis steht ganz unter dem Einfluss der Religion. Zusammen mit anderen Künstlern wird er 1481 und 1482 von Papst Sixtus IV. nach Rom gerufen, um die sixtinische Kapelle auszumalen. Nach dem Tod seines Gönners Lorenzo de Medici stürzt der Bußprediger Girolamo Savonarola Florenz in das Chaos. Er prangert den ausschweifenden Lebensstil der Adligen an, vertreibt die Medici aus Florenz und gründet einen Gottesstaat. Unter dem Eindruck dieser Ereignisse wendet sich Botticelli ganz religiösen Themen zu. In seinem Spätwerk finden sich nicht nur viele großformatige Gemälde, Altar und Tafelbilder, sondern auch Federzeichnungen wie die zu Dante Alighieris “Göttlicher Komödie.”

Ausstellungsansicht, Foto: Alex Heimann

Die prächtige Ausstellung vereint neben den Arbeiten Botticellis auch vierzig weitere Gemälde von Zeitgenossen des Malers. Das Städel hat das Unmögliche möglich gemacht und tatsächlich alle wichtigen Werke versammelt. Einzig Die Geburt der Venus fehlt, die Uffizien verleihen das Werk nicht – schade, aber verständlich. Die Ausstellung gliedert sich in drei Bereiche: die Porträts, die myhtologischen Darstellungen und die religiösen Werke. Misslungen ist die Wandgestaltung. Das Rot wirkt zwar edel, nimmt den Bildern aber ein wenig von ihrer Farbigkeit und Strahlkraft. Eine dunklere Farbe wäre vielleicht klüger gewesen. Eine tolle Ausstellung, deren Besuch man sich nicht entgehen lassen sollte., die Gelegenheit dürfte einmalig sein.

Weitere Informationen auf den Sonderseiten zur Ausstellung.

Nachtrag: Der Hessische Rundfunk hat ein schönes Feature zur Ausstellung: Das Rätsel Frau – Geheimnisse in den Bildern Botticellis.

Ausstellungsansicht, Städel Museum, Frankfurt, 2007

Ich werde häufig gefragt, warum ich den Blog “Avantgarde” nenne, obwohl ich ja nicht nur über die klassische Avantgarde der Moderne schreibe. Das liegt daran, dass dieser Blog Avantgarde sein will, vor allem aber, dass der Begriff “Avantgarde” zeitlich mehr als dehnbar ist. Viele Künstler der klassischen Moderne suchten ihre Vorbilder schon bei den Meistern in Mittelalter und nutzen Stil, Maltechniken und Bildsujets der so genannten “alten Meister”. Man darf viele Meister des Mittelalters und der beginnenden Neuzeit also durchaus als Avantgarde sehen.

Einer dieser Avantgardisten ist Lucas Cranach der Ältere (1472-1553), dem das Städelmuseum in Frankfurt eine Ausstellung widmet. Wie kaum ein anderer prägte Cranach neben Dürer und Holbein die Bildwelt seiner Jahre und nachhaltig auch die Bildwelt späterer Jahrhunderte. Seine Landschaftsdarstellungen waren wegweisend, religiöse Themen hauchte er neues Leben ein und seine Porträts prägen bis heute unsere Vorstellung von jener Zeit. Wer kennt nicht seine Porträts von Martin Luther, Katharina von Bora oder Philipp Melanchton.

Im Gedächtnis sind aber auch seine erotischen Darstellungen, die er meist geschickt mit religiösen Themen verknüpfte und die bis ins 20. Jahrhudnert Künstler wie Picasso und Giacometti inspirierten. Seine Werke strahlen Erotik aus, spiegeln Sinnenfreude wider und sind mit einem Augenzwinkern gemalt. Eines der schönsten Beispiele ist sicher Venus und Amor als Honigdieb. Lust und Leid sind eng verknüpft, denn der kindliche Armor, der versucht vom Honig zu naschen, wird von den Bienen gestochen, während die nackte Venus daneben ungerührt posiert.

Wunderbar auch seine Akte, wie die Venus oder die Lucreatia. Perfekt versteht es Cranach, die Schönheit der Frau zu idealisieren. Grazile Nackte mit einem Nichts von Schleier schauen dem Besucher entgegen. Wunderbar leicht leuchtet das helle Inkarnat vor dem dunkle Hintergrund geradezu, Cranach betont die feinen eleganten Formen der Damen, mit dem durchsichtigen Schleier “verstellt er uns die Sicht” auf das Geschlecht der Damen und idealisiert sie so. Sie wird von einer nackten Frau zum Abbild der Schönheit.

Auch seine Landschaftsdarstellungen waren neu. Das Bildthema ist nicht mehr Bild beherrschend, die Landschaft im Hintergrund rückt gleichwertig neben das Sujet. Sie verstärkt das Thema oft sogar noch. Cranach entdeckte die heimatliche Landschaft für sich und stellte sie immer wieder in den Bildern dar. Bei der “Ruhe auf der Flucht” (1520/25) rastet die Heilige Familie umgeben von Engeln auf einer Blumenwiese im sommerlichen Wald. Die Umgebung, in leuchtenden Farben gemalt, prägt die Stimmung des Bildes.

Lucas Cranach, Venus und Armor als Honigdieb, Städel Museum, Frankfurt

Cranach war schon zu Lebzeiten ein erfolgreicher Maler, der auch wirtschaftlich äußerst erfolgreich agierte. Und er erreichte auch, gleichzietig bei den erzkonservativen Katholiken wie auch bei den protestantischen Reformatoren Anerkennugn zu finden und für sie malen zu dürfen. Dabei malte er in einer regelrechten Imagekampagne Luther und dessen Themen immer wieder und entwickelt eine fast schon genuin protestantische Bildsprache, die Luthers Lehre propagierte.

Gleichzeitig arbeitete er aber auch für den Gegenspieler von Luther, den Kardinal Albrecht von Brandenburger. Für ihn malt er Madonnenbilder, liefert Entwürfe für Kirchenausstattungen und porträtiert die Kirchenoberen. Seine Porträts sind nie nur detailgenaue Abbilder der Porträtierten, sondern bilden auch charakterliche Züge ab. Die Porträtierten fühlten sich gut getroffen und empfahlen ihn weiter.

Er wird sogar Hofmaler am Wittenbergischen Hof des Kurfürsten Friedrich des Weisen und seiner beiden Nachfolger. Neben Haus und Werkstatt besass er eine Apotheke, eine Weinschenke und eine Druckerei. Unter seinem Markenzeichen, dem Schlangensignet, wird seine Werkstatt zum Marktführer für Altäre und Wandmalereien im östlichen Teil des Reiches. Cranach beschäftigt sogar Mitarbeiter, die seinen Stil kopieren und seine Arbeiten in unterschiedlichen Variationen kopieren. Auch seine beiden Söhne arbeiten dort und erarbeiten sich erst spät einen eigenen Stil.

Das Städelmuseum hat in Zusammenarbeit mit der Royal Academy of Arts eine grandiose Ausstellung mit über 100 Meisterweken zusammengetragen. Eine wunderbare Ausstellung, die man nicht verpassen sollte! Bis 17. Febaruar 208 im Städelmuseum, danach in der Royal Academy of Arts in london. Hier geht es zur Sonderseite der Ausstellung >>>

Ah ja, warum die Mona Lisa lächelt, dass sie lächelt, wer sie ist, warum ihre Augen den Betrachter immerzu anstarren und überhaupt, welchen Geschlechts sie sei. Ja, denn es gibt tatsächlich die Theorie, dass Mona Lisa gar keine Frau sei, sondern das der Maler sich selbst porträtiert habe.

Nun beglückt uns der Kunsthistoriker Bruno Mottin vom französischen Zentrum für Forschung und Restauration mit einer neuen Theorie. Seine Erklärung: Mona Lisa habe kurz vor dem Posieren ihr zweites Kind zur Welt gebracht und lächele deshalb so zweideutig. Mit Hilfe von Infrarot-Analysen wollen Mottin und Kollegen festgestellt haben, dass das Kleid der Mona Lisa von einem dünnen, transparenten Schleier umhüllt ist, der aber mit bloßem Auge nicht zu erkennen sei. Diese Art von Schleiergewand sei im frühen 16. Jahrhundert in Italien von Frauen getragen worden, die schwanger waren oder gerade erst ein Kind zur Welt gebracht hatten.

Und wieder mal ist das geheimnisvollste Lächeln der Welt entschlüsselt!