Leonardo Da Vinci, Mona Lisa, ca. 1503-1506, Musée du Louvre

Immer wieder wurde in den letzten Jahrhunderten gerätselt, wer die Mona Lisa wirklich war. Ein Quellenfund beweist, dass die leicht debil lächelnde Dame tatsächlich die Mona Lisa ist und nicht, wie Verschwörungstheoretiker gerne abwechselnd behaupten, Jesus, Maria Magdalena oder ein homosexueller Liebhaber Da Vincis. Der Heidelberger Wissenschaftler Veit Probst hat in einem Wiegedruck eine handschriftliche Notiz entdeckt,die belegt, dass es sich bei Mona Lisa um die Kaufmannsgattin Lisa del Gioconda handelt. Mehr darüber in der Zeit, im Spiegel und in der Welt.

Ausstellungsansicht, Städel Museum, Frankfurt, 2007

Ich werde häufig gefragt, warum ich den Blog “Avantgarde” nenne, obwohl ich ja nicht nur über die klassische Avantgarde der Moderne schreibe. Das liegt daran, dass dieser Blog Avantgarde sein will, vor allem aber, dass der Begriff “Avantgarde” zeitlich mehr als dehnbar ist. Viele Künstler der klassischen Moderne suchten ihre Vorbilder schon bei den Meistern in Mittelalter und nutzen Stil, Maltechniken und Bildsujets der so genannten “alten Meister”. Man darf viele Meister des Mittelalters und der beginnenden Neuzeit also durchaus als Avantgarde sehen.

Einer dieser Avantgardisten ist Lucas Cranach der Ältere (1472-1553), dem das Städelmuseum in Frankfurt eine Ausstellung widmet. Wie kaum ein anderer prägte Cranach neben Dürer und Holbein die Bildwelt seiner Jahre und nachhaltig auch die Bildwelt späterer Jahrhunderte. Seine Landschaftsdarstellungen waren wegweisend, religiöse Themen hauchte er neues Leben ein und seine Porträts prägen bis heute unsere Vorstellung von jener Zeit. Wer kennt nicht seine Porträts von Martin Luther, Katharina von Bora oder Philipp Melanchton.

Im Gedächtnis sind aber auch seine erotischen Darstellungen, die er meist geschickt mit religiösen Themen verknüpfte und die bis ins 20. Jahrhudnert Künstler wie Picasso und Giacometti inspirierten. Seine Werke strahlen Erotik aus, spiegeln Sinnenfreude wider und sind mit einem Augenzwinkern gemalt. Eines der schönsten Beispiele ist sicher Venus und Amor als Honigdieb. Lust und Leid sind eng verknüpft, denn der kindliche Armor, der versucht vom Honig zu naschen, wird von den Bienen gestochen, während die nackte Venus daneben ungerührt posiert.

Wunderbar auch seine Akte, wie die Venus oder die Lucreatia. Perfekt versteht es Cranach, die Schönheit der Frau zu idealisieren. Grazile Nackte mit einem Nichts von Schleier schauen dem Besucher entgegen. Wunderbar leicht leuchtet das helle Inkarnat vor dem dunkle Hintergrund geradezu, Cranach betont die feinen eleganten Formen der Damen, mit dem durchsichtigen Schleier “verstellt er uns die Sicht” auf das Geschlecht der Damen und idealisiert sie so. Sie wird von einer nackten Frau zum Abbild der Schönheit.

Auch seine Landschaftsdarstellungen waren neu. Das Bildthema ist nicht mehr Bild beherrschend, die Landschaft im Hintergrund rückt gleichwertig neben das Sujet. Sie verstärkt das Thema oft sogar noch. Cranach entdeckte die heimatliche Landschaft für sich und stellte sie immer wieder in den Bildern dar. Bei der “Ruhe auf der Flucht” (1520/25) rastet die Heilige Familie umgeben von Engeln auf einer Blumenwiese im sommerlichen Wald. Die Umgebung, in leuchtenden Farben gemalt, prägt die Stimmung des Bildes.

Lucas Cranach, Venus und Armor als Honigdieb, Städel Museum, Frankfurt

Cranach war schon zu Lebzeiten ein erfolgreicher Maler, der auch wirtschaftlich äußerst erfolgreich agierte. Und er erreichte auch, gleichzietig bei den erzkonservativen Katholiken wie auch bei den protestantischen Reformatoren Anerkennugn zu finden und für sie malen zu dürfen. Dabei malte er in einer regelrechten Imagekampagne Luther und dessen Themen immer wieder und entwickelt eine fast schon genuin protestantische Bildsprache, die Luthers Lehre propagierte.

Gleichzeitig arbeitete er aber auch für den Gegenspieler von Luther, den Kardinal Albrecht von Brandenburger. Für ihn malt er Madonnenbilder, liefert Entwürfe für Kirchenausstattungen und porträtiert die Kirchenoberen. Seine Porträts sind nie nur detailgenaue Abbilder der Porträtierten, sondern bilden auch charakterliche Züge ab. Die Porträtierten fühlten sich gut getroffen und empfahlen ihn weiter.

Er wird sogar Hofmaler am Wittenbergischen Hof des Kurfürsten Friedrich des Weisen und seiner beiden Nachfolger. Neben Haus und Werkstatt besass er eine Apotheke, eine Weinschenke und eine Druckerei. Unter seinem Markenzeichen, dem Schlangensignet, wird seine Werkstatt zum Marktführer für Altäre und Wandmalereien im östlichen Teil des Reiches. Cranach beschäftigt sogar Mitarbeiter, die seinen Stil kopieren und seine Arbeiten in unterschiedlichen Variationen kopieren. Auch seine beiden Söhne arbeiten dort und erarbeiten sich erst spät einen eigenen Stil.

Das Städelmuseum hat in Zusammenarbeit mit der Royal Academy of Arts eine grandiose Ausstellung mit über 100 Meisterweken zusammengetragen. Eine wunderbare Ausstellung, die man nicht verpassen sollte! Bis 17. Febaruar 208 im Städelmuseum, danach in der Royal Academy of Arts in london. Hier geht es zur Sonderseite der Ausstellung >>>

Das Museum besitzt immerhin 32 Arbeiten, die Tintoretto und seiner Werkstatt zugeschrieben werden. Das macht es natürlich leichter, eine große Ausstellung zusammenzustellen, weil man nicht mehr viele Leihgaben benötigt. Den Schwerpunkt setzten die Ausstellungskuratoren auf religiöse, erzählerische Arbeiten und Portraits. Unter den 49 versammelten Gemälden, 13 Zeichnungen und drei Skulpturen sind herausragende Meisterwerke wie “Die Fußwaschung” (1548/49), “Susanna im Bade”, “Susanna und die Alten” (1555) oder “Venus, Vulkan und Mars” (1545).

Immer wieder blitzt Tintorettos Genie auf, dass das Farbgefühl eines Tizian mit der Zeichnung eines Michelangelo zu verbinden weiß und sich mit dem Ungestümen und Wilden des Malers verbinden. Mal sind es die Bildthemen und ihre ungewöhnliche Umsetzung, dann wieder die Farben, die Kontraste, verkürzte Fluchten, der Pinselstrich, die ungewöhnliche Gewichtung von Zentrum und Peripherie oder die Perspektive, die sein Werk so unvergleichlich machen.

Um die neuen Sichtweisen auf die Leinwand zu bringen, arbeitete Tintoretto mit einem besonderen Verfahren: Er formte kleine Wachsfiguren und stellte sie in einen modellhaften Bühnenraum, um so die Wirkung von Raum und Licht zu studieren. Auf diese weise entstand auch “Die Fußwaschung” (1548/49). Ein immenses Bild, 5,30 Meter breit ist die Leinwand, man muss es buchstäblich “ergehen”, blickt immer wieder aus verschiedenen Blickwinkeln darauf und entdeckt Neues. Zum ersten Mal seit 400 Jahren hängt es wieder neben dem Heiligen Abendmahl (1547) wie einst in der San Marcuola-Kirche in Venedig. Auch hier hatten die italienischen Konservatoren Bedenken, doch die Regierung in Rom setzte sich über alle Bedenken hinweg.

Die beiden Bilder sind so etwas wie die heimlichen Stars der Ausstellung, ihr Kraftzentrum, um das sich das Universum Tintorettos dreht. Um sie herum finden sich die großartige Bilder wie “Susanna im Bade”, wie sie von zwei lüsternen Greisen beobachtet wird oder Vulkan, der Venus und Mars beim Liebesspiel überrascht. Oder Hera, wie sie die Brust aus dem Mund des kleinen Herakles reißt und dabei ihre Milch in den Himmel verspritzt – “Die Entstehung der Milchstraße”.

1540 musste Kardinal Albrecht von Brandenburg von Halle nach Aschaffenburg fliehen. Er wurde ein Opfer der Reformation, allerdings war er auch derjenige, der über den Dominikaner Johann Tetzel das Geschäft mit dem Ablasshandel betrieb, das zum Anschlag der 95 Thesen durch Martin Luther führte. Der Rest ist bekannt. Albrecht darf durchaus als einer der wichtigsten Köpfe der beginnenden Neuzeit gelten. Durch sein Wirken bekamen Humanismus und Renaissance Auftrieb. Albrecht rief den Humanisten von Hutten an seinen Hof und korrespondierte mit Erasmus von Rotterdam.

In Aschaffenburg kann man jetzt bis zum 3. Juni 2007 sehen, wohin das Geld aus den Geschäften des Bischofs floss. Albrecht war ein prunksüchtiger Kirchenfürst, für den Kunst vor allem Propagandamitel war. Er liess neben Lucas Cranach d.Ä., Albrecht Dürer und Matthias Grünewald für sich arbeiten. Der Dom in Halle quoll über vor Kunstschätzen und Reliquien in kostbaren Reliquiaren. Die Ausgestaltung des Domes, die er Cranach übertrug, war die größte Auftragsarbeit dieseits der Alpen.

Die Ausstellung “Cranach im Exil” zeigt die Kunstschätze, die der Kardinal aus Halle auf seiner Flucht mit nach Aschaffenburg brachte. Der musste nämlich vor den Reformatoren flüchten und packte dabei im Dom alles ein, was nicht niet- und nagelfest war.

Albrecht von Brandenburg war einer der Hauptauftraggeber für Lucas Cranach (1472-1553). Die Gemälde, Handschriften, Goldschmiedearbeiten, Grafiken und Flugschriften stellen aber nicht nur einen einzigartigen Kunstschatz dar, sie sind auch ein Zeitzeugnis für den ersten Medienkrieg der Geschichte. Cranach war nicht nur Maler für den Kardinal, er war auch Freund Luthers und belieferte beide Seiten mit visueller Munition für ihren Kampf.

Die Ausstellung bietet eine umfassende Darstellung und Behandlung des gesamten Aschaffenburger Kunstbestandes. In 150 Exponaten, davon 70 Tafelgemälden, vermittelt sie ein lebendiges Bild des Reformationszeitalters. Im Mittelpunkt steht der erstmals wieder in seiner ganzen Pracht gezeigte Magdalenen-Altar aus Halle. Über 200 Jahre an verschiedenen Orten verstreut, erstrahlt er nach grundlegender Restaurierung im alten Glanz. Weitere Höhepunkte sind Albrechts prachtvolles Grabdenkmal aus der Nürnberger Werkstatt Vischer, der sagenumwobene Margarethenschrein oder Grünewalds faszinierende Beweinung Christi, deren Rätsel dank neuester Forschungen gelöst werden konnte.

Die Ausstellung gliedert sich in drei Abschnitte, die auf wichtigste Aschaffenburger Räume verteilt sind. In Schloss Johannisburg ist das Kapitel “Cranach im Dialog” untergebracht, das Cranachs Wirken zwischen den Fronten beleuchtet und erkennen lässt, wie wichtig der Maler für die beiden Strömungen des Christentums in Deutschland war, wie sehr er die Bildsprache von Katholizismus und Protestantismus prägte.

In der Kunsthalle Jesuitenkirche ist das Kapitel “Cranach im Exil” untergebracht, hier befinden sich die bedeutendsten Arbeiten, die der Maler für Albrecht anfertigte und die dieser mit nach Aschaffenburg brachte. Im Stift St. Peter und Alexander wird dann Albrechts Exil unter die Lupe genommen, seine Wirken, sein Leben und seine Vorliebe für die Kunst.

Die Ausstellung ist eine wunderbare Möglichkeit, Cranachs Werk zu entdecken und gleichzeitig auch noch im historischen Kontext zu sehen. Sehtipp!

Mehr unter: www.cranach-im-exil.de

Seit 20. Februar darf im Bode-Museum in Berlin ein neues Highlight besichtigt werden. Das Museum hat mit Hilfe von Sponsoren die “Heilige Anna und ihre drei Ehemänner” erworben. Das Werk stammt von Tillmann Riemenschneider und entstand um 1505/06. Es dürfte das letzte auf dem freien Markt erhältliche Werk des Meisters gewesen sein. Der Skulpturensammlung, die bereits 13 Werke von Riemenschnedier besitzt, wurde so ein wichtiges Werk hinzugefügt.

Das in seiner künstlerischen Qualität herausragende Schnitzwerk aus Lindenholz ist eine Darstellung der Mutter Mariens mit ihren Ehemännern Joachim, Kleophas und Salomas. Die über einen Meter hohe Figurengruppe gehörte ursprünglich wahrscheinlich zu einem Rothenburger Flügelaltaraufsatz, der die Verwandtschaft Jesu zeigte, die so genannte Heilige Sippe.

Eine zweite Mona Lisa?

Das Portland Museum of Art im US-Bundestaat Maine stellt derzeit eine kleine Sensation aus. Das Museum präsentiert noch bis 5. September 2006 ein Gemälde, das frappierend an Leonardo Da Vincis “Mona Lisa” erinnert und eine gelungene Kopie sein könnte. Allerdings haben Pigementanalysen ergeben, dass das Bild vor 1510 gemalt worden sei (also zu Lebzeiten Leonardos) und dass der Pinselduktus auf einen Linkshänder (wie Leonardo) hindeute, so meldet die New York Times. Es gebe einige kleine Unterschiede zur Mona Lisa im Louvre, die es so in einer späteren Kopie nicht gegeben hätte, so Museumsdirektor Daniel O’Leary zur NY Times. Das Museum erhielt das Gemälde 1983 aus dem Nachlass des Fotografen Henry Reichold.

Das Bild zeigt eine Frau mit sehr ähnlichen Gesichtszügen wie die Mona Lisa. Lediglich das berühmte Lächeln fehlt. Das Bild ist vorwiegend in Brauntönen gehalten. Die Frau steht auf einem Balkon, im Hintergrund ist Wasser zu sehen. Zwar gibt es einige Kopien der Mona Lisa, doch keine datiert aus der Zeit Leonardos. Ob Da Vinci selbst das Bild (eventuell als Vorstudie) anfertigte oder einer seiner Schüler sich an einer Kopie versuchte, bleibt unklar.

Das Museum stellt das Bild nur selten aus, da es nicht in die Sammlung passt, die Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts beinhaltet. Doch der Filmstart von “Der Da Vinci Code” von Dan Brown bot eine guten Anlass, das Gemälde aus dem Depot des Museums zu nehmen und es der Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

Das Museum ist zu finden unter: www.portlandmuseum.org