CAPRICHOS, Blatt 10, El Amor y la muerte, Die Liebe und der Tod
21,5 x 15 cm, Radierung, Aquatinta poliert, Grabstichel, Harris 45/III
Morat-Institut für Kunst und Kunstwissenschaft Freiburg i.Br.

“Los Caprichos” (“Einfälle”), der aus 80 Blättern bestehende Zyklus, entstand in den Jahren 1797-1799 und zeichnet das Bild einer dekadenten, sich am Abgrund befindenden Gesellschaft nach. “Los Desastres de la Guerra” (“Die Schrecken des Krieges”), 80-teilig, thematisieren die menschlichen Grausamkeiten und die verheerende Hungersnot während der napoleonischen Herrschaft und des spanisch-französischen Krieges (1808-1813). Diese bislang noch nie da gewesene Brutalität und Direktheit in der Darstellung hat bis in die heutige Zeit hinein zahlreiche Künstler bewegt und inspiriert. “La Tauromaquia” (“Die Kunst des Stierkampfs”), zwischen 1814 und 1816 entstanden, erscheint im Vergleich zu den anderen Radierserien beinahe harmlos. Erst auf den zweiten Blick wird die hohe technische Qualität der 33 Blätter deutlich, die, mit der Fotografie vergleichbar, sekundenschnelle Momente festzuhalten scheinen und die Spannung eines spanischen Stierkampfes meisterhaft wiedergibt. “Los Proverbios” (“Sprichwörter”) oder auch “Los Disparates” (“Torheiten”) ist die wohl rätselhafteste Serie innerhalb des druckgraphischen Werkes. Die 22 Blätter markieren das Spätwerk Goyas und sind vermutlich in den Jahren von 1815 bis 1824 entstanden. Eigentümlich fliegende Hexenwesen oder in die Luft gewirbelte Gestalten sind darin häufig wiederkehrende Motive, welche die Nähe zu Goyas bedeutenden “Pinturas negras”(”Schwarze Gemälde”), heute im Prado (Madrid) ausgestellt, aufzeigen.

Die insgesamt 253 druckgraphischen Blätter (es werden auch die zusätzlichen Blätter zu den einzelnen Serien gezeigt) stammen aus dem umfangreichen Bestand des Morat-Instituts für Kunst und Kunstwissenschaft in Freiburg im Breisgau und gelten sowohl hinsichtlich ihres Umfangs als auch ihrer Qualität als einzigartig. Ein wirklicher Leckerbissen, den das Museum da präsentiert und für Kunstinteressierte ein Muss.

Zur Ausstellung ist ein reich bebildeter Katalog zum Preis von 20 Euro erschienen: Francisco de Goya – Radierungen. Die Sammlung des Morat-Instituts, Edition Braus, 168 Seiten. Die Ausstellung läuft noch bis zum 02. Mai 2010. weitere Informationen: www.kunstsammlungen-zwickau.de

Ich bin kein Freund solcher gigantomanischen Ausstellungen, als zu oft bleibt die Erkenntnis auf der Strecke, der reine visuelle Reiz zählt, man schiebt sich mit den Besuchermassen durch die Räume und ein ruhiges Verweilen vor den Bildern ist unmöglich, weil ständig jemand den Blick versperrt. Es lebe die Presse-Vorbesichtigung.

Vicent van Gogh, Straße in Saint-Rémy, 1889
© Kasama Nichido Museum of Art, Japan

Auch ich kann bei dem Namen “Van Gogh” nicht ganz objektiv bleiben, auch ich bekomme weiche Knie, wenn ich durch solch eine Ausstellung gehe und diese Farben sehe, den unverwechselbaren Pinselstrich und die Aura spüre, die die Bilder verströmen.

Vorab muss man sagen, dass es der Albertina nicht wirklich gelungen ist, ein neues Thema zu finden, dass einen Erkenntnisgewinn verspräche. Man versucht, dem Maler Van Gogh den Zeichner gegenüberzustellen und darzulegen, wie Van Gogh seine Gemälde in Zeichnungen vorbereitete. Dies ist durchaus gelungen, aber nicht wirklich neu, das darf man aber wohl auch kaum von einer Ausstellung zu Van Gogh erwarten, dafür wurde er einfach schon viel zu oft und in allen Facetten gezeigt und erforscht.

Bleibt also eine interessante Gegenüberstellung, die zwar nicht neu aber interessant ist und die absolut wundervollen Werke, die dem Betrachter den Atem rauben. 50 Gemälde und 100 Zeichnungen und Aquarelle haben die Kuratoren zusammengetragen. Darunter sind Preziosen wie Die Ernte (1888), Das Selbstportät mit Strohhut (1887), Heilanstalt in Saint-Rémy (1889), Straße mit Saint-Rémy (1889) und Allee bei Arles (Rand einer Landstraße) aus dem Jahre 1888.

Fazit: Die Ausstellung ermöglicht keinen neuen Blick auf Van Gogh, aber alleine das riesige Konvolut an Gemälden und Zeichnungen ist auch eine weite Reise nach Wien wert.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 08. Dezember 2008. Um lange Wartezeiten zu vermeiden, sollte man sich vorher auf den Webseiten der Albertina informieren. Dort wird auch eine Möglichkeit geboten, vorab Eintrittskarten zu erwerben und dann über einen eigenen Eingang eingelassen zu werden.

Buffet wurde 1928 in Paris geboren. Im Alter von nur 15 Jahren wurde er an der École des Beaux-Arts in Paris aufgenommen. Die Freunde Maurice Utrillo und Georges Rouault stellten ihn Ende der 40er Jahre dem Kunsthändler Maurice Girandin vor. Der war von Buffet begeistert und unterstützte ihn. Der Maler wurde Mitglied des Pariser Herbstsalon und der “L’ homme témoin”, einer Künstlergruppe, die sich gegen die abstrakte Kunst wandte. Als er als Zwanzigjähriger 1948 den “Prix de la Critique” erhielt, war er in aller Munde.

Bernard Buffet, Die Passion Christi: Kreuzigung, 1951, Galerie Maurice Garnier

Es folgten Jahre enormer Popularität, bis in die sechziger Jahre war Buffet ein gefeierter Maler. Genauso wie Buffet geliebt wurde, wurde er anschließend von der Kritik verrissen. Sein Stil sei überholt, langweilig, anachronistisch und repetitiv, so urteilten Kritker und Kuratoren. Er wurde zum “Kaufhausmaler” heruntergeschrieben. Ganz unschuldig war Buffet dran nicht.

Sein Frühwerk in den vierziger und fünziger Jahren war geprägt von jenem Stil, der ihn später berühmt machte. Buffet malte stark expressionistisch, sein Pinselstrich war rechtwinkelig und scharfkantig, die Farbpalette stark zurückgenommen. Es herrschen Grau- und Brauntöne vor, durch zusätzlichen Kreideauftrag werden die Bilder matt und staubig. Viele Werke wirken kalt. Die Menschen haben oft überlange Körper und Extremitäten und wirken ausgemergelt. Die gemalte Objekte scheinen in ihren Formen gefangen. So verweigern sie sich jeder Abstraktion. Typische Sujets jener Jahre waren Interieurs, Stillleben und Passionsszenen Christi.

Seinen Ruhm verdankte Buffet vor allem dem Umstand, dass er das existenzialistische Zeitgefühl jener Jahre traf. Für viele Menschen waren Buffets Bilder die Verkörperung ihrer Gefühle, der Entbehrungen und Nöte des Krieges und der Nachkriegsjahre. Buffet galt in diesen Jahren als größtes französisches Malertalent überhaupt. Dabei sind seine Bilder nicht wirklich emotional, psychologisierend oder illustrierend. Sie sind konsequent betriebene Figuration am Rande des Realismus. Die treibt Buffet bis zum Äußersten, bis zur Skelettierung des Bildgegenstandes, von dem nicht mehr viel bleibt.

Mitte der fünziger Jahre erweitert Buffet seine Farb- und Themenpalette. Buffet wendet sich dem Geschmack des breiten Publikums zu und verliert so seine Eigenständigkeit und Unabhängigkeit. Seine Bilder werden Massengeschmack und Reproduktionsware – oder einfach ausgedrückt: Kitsch. Man könnte es sogar noch schlimmer ausdrücken: sie waren dekorativ. Autos und Designobjekte gehörten zu den beliebtesten Sujets aus dieser Zeit. Auch die furchtbaren Landschaftsbilder und Stadtansichten aus den Siebzigern zählen zu den schlechteren Arbeiten.

Leider führte dies dazu, dass Buffets Gesamtwerk nicht nur undifferenziert in Ungnade fiel, sondern von Kritikern und Kuratoren aus dem öffentlichen Diskurs verbannt wurde. Dabei hat Buffet ein beeindruckendes Werk hinterlassen: 8000 Bilder und 1000 Radierungen und Lithografien umfassen sein Werk. Seine Bedeutung für die Kunst der Gegenwart wurde bisher kaum beleuchtet.

Bernard Buffet, Selbstporträt 4, Courtesy Galerie Maurice Garnier, 1981

Erst 2002 erinnerten das Pariser Centre Pompidou und die Frankfurter Schirn Kunsthalle mit der Ausstellung “Cher peintre…” an Buffet und liessen ihn gemeinsam mit Francis Picabia die Rolle eines Ahnherren der figurativen Malerei der zeitgenössischen Kunst einnehmen.

Es wird Zeit für eine Neubewertung. Allein der massenhafte Ausstoss von Bildern – es sollen 125 pro Jahr gewesen sein – ist noch kein Anzeichen mangelnder Qualität, Picasso malte bis ins hohe Alter ähnlich eifrig. Für Warhol war Buffet Vorbild, ihm ist es zu verdanken, dass er wenigstens ansatzweise im Gedächtnis blieb. Warhol wurde nicht müde zu betonen, dass er Buffet als legitimen Vorreiter der Pop-Art sehe. Buffet nahm sich 1999 in seinem Haus in Tourtour das Leben. Vergessen von er Öffentlichkeit und schwer erkrankt an Parkinson, hatte den Maler wohl der Mut verlassen.

Das MMK in Frankfurt geht das Wagnis ein, Buffet auszustellen. Direktor Udo Kittelmann und das MMK sind bekannt für solche “Experimente”, weil man in Frankfurt versucht, darzustellen, wie wir Kunst sehen. Was ist “gute Kunst” und was nicht? Zu welchem Zeitpunkt ist welche Kunst gut und wie sehen wir Kunst?

Ich bin froh, dass es diese Ausstellung gibt und Buffet zurück ins Leben geholt wird. Nicht alles was der Maler schuf, war wirklich gut oder schön oder Kunst, aber vieles davon. Das sollte man nicht vergessen.

Weiterführende Links:

• Musée Bernard Buffet

Unterhalb der sichtbaren Oberfläche befinden sich in jedem Gemälde zahlreiche Informationen. Nur aufwändige, technologische Untersuchungen legen sie frei. Mit Hilfe modernster Techniken (Stereomikroskopie, naturwissen-schaftliche Materialanalyse sowie Röntgen-, Ultraviolett und Infrarotstrahlung) und detektivischem Spürsinn werden die kostbaren Werke untersucht. Das Forscherteam analysiert die unterschiedlichen Entstehungsprozesse, prüft die natürlichen Alterungserscheinungen oder fahndet nach gezielten Manipulationen. Damit eröffnet sich ein neuer Blick auf die Geschichte und Rezeption jedes einzelnen Bildes. Die Restaurierungsabteilung im Wallraf ist die Zentrale dieses Forschungsprojektes und für die Ausstellung verantwortlich.

Gustave Caillebotte, Trocknende Wäsche am Ufer der Seine, 1892
Öl auf Leinwand, 105,5 x 150,5 cm
Wallraf-Richartz-Museum, Köln

Mit “Impressionismus – Wie das Licht auf die Leinwand kam” präsentiert das dreiköpfige Team, bestehend aus Iris Schaefer, Caroline von Saint George und Katja Lewerentz, die faszinierenden Ergebnisse der spannenden Forschungsarbeit. Dabei zeichnen die Kuratorinnen den Weg von der Sinneswahrnehmung, über die angewendeten Malmaterialien, die “Tatorte” im Atelier oder der freien Natur, sowie die Maltechnik und Werkgenese bis hin zur Rezeption und Erhaltung der Bilder nach.

Die Ausstellung ist nach sechs Leitfragen gegliedert und beginnt mit dem Kapitel “Was ist eine Impression?” Spielerisch werden hier die physikalischen Grundlagen von Licht, Farbe und Sinneswahrnehmung am Beispiel eines Monets thematisiert. So imitieren Projektionen und wechselnde Beleuchtungssituationen die unterschiedlichen Tageszeiten zu denen Impressionisten arbeiteten, um den Einfluss des Lichtes auf die Bilder zu veranschaulichen.

Der nächsten Abschnitt beantwortet die Frage: “Womit malten die Impressionisten?”. Dazu sind in einer nachempfundenen Künstlerbedarfshandlung des 19. Jahrhunderts historische Malutensilien wie Pinsel, Leinwand, Palette, Grundierungen und Farben ausgestellt. Der immense Einfluss des technischen Fortschritts auf die impressionistische Malerei darf nicht unterschätzt werden. Neu entdeckte Farbtöne bieten den Künstlern ungeahnte Möglichkeiten und auch die Erfindung der Tubenölfarben erleichterte den Impressionisten ihre legendäre Pleinairmalerei.

Pierre-Auguste Renoir, Das Paar, um 1868
mit Röntgenbild, die eine andere Komposition sichtbar macht
Wallraf-Richartz-Museum

Mit der Freilichtmalerei verändert sich auch der Arbeitsplatz des Malers im 19. Jahrhundert. Das Atelier ist nun nicht mehr Zentrum seiner Arbeit. Viele Künstler zieht es in die Nähe ihrer Motive, nach draußen. Doch woran erkennt der Betrachter heutzutage den ursprünglichen “Malort” eines Gemäldes? Das dritte Ausstellungskapitel “Drinnen oder draußen?” geht dieser Frage nach. In jedem Gemälde stecken zahlreiche Indizien. In einem ausgestellten Seestück von Guillaumin zum Beispiel entdeckten die Forscher unzählige Sandkörner und in einem Caillebotte-Gemälde sogar eine Pappelknospe. Deutliche Beweise für ein tatsächliches Malen in der Natur. Dazu passend hat das Ausstellungsteam eine Atelier- und eine Freilichtsituation mit vielen Originalrequisiten nachgestellt.

Einen Moment spontan auf die Leinwand zu bannen, das war das große Ziel vieler Impressionisten. Doch wie schnell waren sie wirklich? Die Antwort liefert der vierte Ausstellungsabschnitt “Spontan oder strategisch?” Dank moderner Technik schaut die Forschung auf, in und sogar durch ein Bild. Unsichtbare Bildplanungen und Unterzeichnungen bleiben dabei ebenso wenig verborgen wie spätere Überarbeitungen oder Zweitverwendungen bereits bemalter Bildträger. Die Aufnahmen überraschen mit der Erkenntnis, dass Caillebotte, Gauguin oder van Gogh zuweilen sehr strategisch zu Werke gingen. Unter der spontan anmutenden Fassade befindet sich manch akribische Vorstudie. Van Gogh zum Beispiel hat seine legendäre “Zugbrücke” in drei Stufen geplant, bevor er mit Ölfarbe zu malen begann. Dem Bild sieht man die verschiedenen Vorbereitungen (Übertragung mit Hilfe eines Perspektivrahmens, Bleistift und Tuschezeichnung) nicht an. Es wirkt spontan und wie aus einem Guss.

Henri-Edmond Cross, Die Lichtung, 1906/07
mit Kartierung des übermalten Rasternetzes mit Mikroskopaufnahme
Wallraf-Richartz-Museum

Viele Zeitgenossen prangerten die scheinbar fehlende Vollendung bei impressionistischen Bildern an. Daher stellt die Ausstellung im fünften Abschnitt die Frage: “Wann war ein Bild fertig?” Die skizzenhafte Malweise und der häufige Verzicht auf Signatur und Firnisauftrag widersprachen den sprichwörtlichen Regeln der Kunst. Dies stellte allerdings Kunsthändler, Sammler und Kritiker, aber auch die Künstler selbst vor nicht gekannte Probleme. Wie behandelt, konserviert und veräußert man ein solches Gemälde? Zu einem neuen Zeichen der Vollendung wurde bei vielen Impressionisten und Neoimpressionisten indessen der Gemälderahmen: Seine Form und Farbfassung sollte mit der Malerei harmonieren und ihre Leuchtkraft steigern. Camille Pissarro zum Beispiel war ein großer Verfechter des schlichten, weißen Rahmens. Originalgerahmte, impressionistische Gemälde sind heute äußerst selten. In der Schau können die Besucher die Wirkung eines originalgerahmten Bildes studieren.

Jedes Kunstwerk verändert sich: Natürliche Alterung und manipulative Eingriffe bestimmen diesen Prozess. Nur die technologische Untersuchung kann ihn nachzeichnen. Die Schau erklärt wie Veränderungen an Bildträger, Grundierung oder Farbschicht das gesamte Erscheinungsbild eines Gemäldes beeinflussen. Zudem wird an einem Gemälde Pissarros verdeutlicht, wie Bilder von fremder Hand mit zahlreichen Pinselstrichen ergänzt und vermeintlich vollendet wurden. Zutaten dieser Art waren bei impressionistischen Werken keine Seltenheit. Sie sind ein zeitgenössischer Spiegel dafür, wie man die Kunst sah oder vielmehr sehen wollte. Ähnlich verhält es sich mit gefälschten Werken, die noch zu Lebzeiten des Künstlers entstanden. Sind sie doch ein deutliches Zeichen für die öffentliche Anerkennung eines Künstlers. Die technologische Untersuchung enttarnt nicht nur Fälschungen. Im besten Fall kann sie helfen, die Autorschaft eines Werkes zu klären.

Eine tolle Ausstellung, die es auch dem interessierten Laien ermöglicht, einen Blick “hinter die Leinwand” zu werfen. Unter www.museenkoeln.de/impressionismus sind die bisherigen Forschungsergebnisse auch online abrufbar – ein Blick lohnt sich auf jeden Fall. Trotzdem sollte man sich den Genuss der Ausstellung nicht entgehen lassen. Schon lange hat sich kein Museum mehr solche Mühe gegeben, Kunstgeschichte so anschaulich und erlebbar zu vermitteln. Weitere Informationen auf den Seiten des Museums oder auf den Sonderseiten zur Ausstellung.

Der Impressionismus war die erste Stilrichtung, in der Frauen eine gewichtige Rolle spielten. Obwohl die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts von gesellschaftlichen Umbrüchen geprägt war, hatten es Frauen nicht leicht. Nicht wenige Maler gaben sich zwar gerne unkonventionell, doch wenn es um Frauen in der Kunst ging, hörte der Spaß auf. Ganz zu schweigen von der Gesellschaft, die der Frau den Platz am Herd zuwies. Der Zugang zu Kunstakademien war ihnen verwehrt, sie konnten also den üblichen akademischen Weg in die Kunst nicht gehen. Die Abneigung gegen die Akademien war bei ihnen also nicht nur künslterisch bedingt. Viele von ihnen waren Autodidakten, die ihr Geld damit verdienten, Modell zu stehen und so Eingang in Künstlerkreise fanden.

Unter den Impressionisten waren die Künstlerinnen durchaus anerkannt und geschätzt, man stellte gemeinsam aus, diskutierte miteinander und beeinflusste sich. Doch nach dem Abgesang der Impressionisten gerieten die Impressionistinnen in Vergessenheit. Daran sind Kunsthistoriker und Kritiker nicht ganz unschuldig, weil sie sich geschickt um die Künstlerinnen herumgeschrieben und sie schlichtweg ignorierten.

Berthe Morisot, Junge frau auf dem Sofa, 1885
Öl auf Leinwand, 61 x 50 cm
Tate, London, 2007

Berthe Morisot gehörte zu den bekannteren Künstlerinnen jener Jahre. Sie stammte aus einer reichen Familie und hatte das Glück, Privatunterricht zu erhalten. So wurde sie Schülerin von Camille Corot. Als sie im Pariser Salon ausstellte, wurde Manet auf sie aufmerksam. Morisot und Manet wurden enge Freunde. Deutlich zeigen die Bilder der beiden, wie Morisot von Manet beeinflusst wurde und wie Manet sich von Morisots heller Farbpalette und dem lockeren Pinselstrich inspirieren liess.

Bis heute gilt Morisot als die “impressionistischste unter den Impressionisten”. Ihre Bilder sind vom hellen Tageslicht geprägt, den warmen, strahlenden Farben, vom ungestümen, kurzen Pinselstrich. Die Hintergründe der Landschaftsbilder wirken sonnendurchflutet, die Bilder sind Momentaufnahmen aus dem Leben, die Bildausschnitte wirken zufällig. Impressionissmus wie aus dem Lehrbuch.

Berthe Morisot, Eugene Manet und seine Tochter im Garten, 1883
Öl auf Leinwand, 60 x 73,5 cm
Privatsammlung

Zu den etwas bekannteren Impressionistinnen gehört neben Morisot vor allem Mary Cassett. Das verdankt sie allerdings allein dem Umstand, dass sie Amerikanerin ist und ihr Werk dort intensiv erforscht wurde. Wohl vor allem deshalb, weil die Amerikaner stolz waren, dass eine der ihren tatsächlich in der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts ihren Platz gefunden hatte. Cassett war Schülerin von Degas, emanzipierte sich allerdings schnell von ihrem Lehrmeister. Besonders Cassetts Pastelle gehören zu den herausragenden Werken ihrer Epoche, genauso wie die grafischen Arbeiten, die mit ihren flächigen, klar umrissenen Formen von japanischen Holzschnitten inspiriert wurden.

Eva Gonzalès und Marie Bracquemond sind die unbekannteren unter den Impressionistinnen. Beide wurde bisher kaum ausgestellt. Gonzalès hat nie an einer Ausstellung der Impressionisten teilgenommen, obwohl ihr Stil typisch ist. Gonzalès war Schülerin von Charles Chaplin und Manet. Sie malte vor allem Porträts von Frauen aber auch Stillleben und Landschaftsbiler gehörten zu ihrem Repertoire. Die Malerin starb mit nur 36 Jahren nach der Geburt ihres Sohnes. Was wäre wohl aus ihr geworden? Sie wäre neben Morisot wahrscheinlich die bedeutendste Impressionistin geworden.

Wunderschön ist ihr “Erwachendes Mädchen”, eine schöne junge Frau, die in einem Meer aus Weiß lümmelt. Spannend auch das “Interieur der Modistin” von 1882/83. Zwei Damen der gehobenen Gesellschaft sind bei einer Hutmacherin im Atelier und lassen sich Hüte vorführen. Düster wirkt der Raum, vor dem sich die weißen Kleider der Damen absetzen. Die Details verschwimmen im Gelb, Braun und Schwarz des Bildes, die Gesicher sind nicht erkennbar. Es herrscht eine eigentümliche Stimmung.

Marie Bracquemond war die Frau des Malers und Grafikers Félix Bracquemond, der sie häufig in seine Arbeit einbezog. Sie schuf vor allem Entwürfe für Porzellan- und Wanddekorationen. Als einer ihrer Entwürfe 1874 im Pariser Salon ausgestellt wurde, erregte sie die Aufmerksamkeit von Edgar Degas, der sie in den Kreis der Impressionisten einführte. Mehrfach beteiligte sie sich mit eigenen Werken an den Ausstellungen der Impressionisten. Doch ihr Ehemann hatte wenig für Verständnis für die Ambitionen seiner Frau. Zermürbt von der Kritik und der Eifersucht gab Marie Bracquemond schließlich 1890 auf.

Ausstellungsansicht, Foto: Norbert Miguletz

Selten findet man Ausstellungen, die noch einen echten Aha-Effekt bieten und den Besucher in echtes Staunen und Verzücken versetzen. Die Schirn schafft es, einen dieser Leckerbissen zu präsentieren, auch wenn die Marketingmaschinerie ein wenig übertreibt, so viel Schutz haben die Malerinnen gar nicht nötig. 150 Werke aus internationalen Sammlungen und Museen hat man in Frankfurt zusammengetragen. Insbesondere die Arbeiten von Eva Gonzalès und Marie Bracquemond wurden bisher weltweit kaum gewürdigt. Allein die 40 Werke von Bracquemond dürften als umfassendste Ausstellung von Werken der Künstlerin seit 1919 gelten. Perfekt werden die Arbeiten präsentiert, vor den dunkel gestrichenen Wänden wirken die gut ausgeleuchteten Bilder noch strahlender als sie es ohnehin schon sind. Jede Künstlerin erhält ihren eigenen Raum und bekommt so eine eigene kleine Retrospektive. Diese Ausstellung wird Geschichte schreiben, weil sie den Impressionistinnen endlich ihren Platz in der Kunstgeschichte zuweist. Endlich!

Kulturell wurde Amerika im 19. Jahrhundert geprägt von den europäischen Siedlern und deren Ursprungsländern. Künstlerisch orientierten sich die Maler jener Jahre am akademischen Klassizismus der europäischen Kunst. die Maler zogen umher und verkauften Porträts oder Bilder vom Alltagsleben der Siedler. Doch mit der Besiedlung des Kontinents kamen auch die Maler weit herum. Sie entdeckten die landschaftlichen Schönheiten des Landes. Kaum ein anderes Land verfügt über ein derart abwechslungsreiches Landschaftsbild wie die USA: Wüsten, Küsten, breite Flusstäler, endlose Ebenen, Gebirge und dichte Urwälder. Durch den Willen, die Schönheiten des Kontinents auf Leinwände zu bannen, entstand dann auch die erste amerikanische Kunstbewegung: die Hudson River School.

Allerdings waren die Maler der Hudson River School keine Künstlergemeinschaft oder Bewegung mit einheitlicher Malweise oder Intention. Viele der Maler kannten sich nicht einmal. Auch der Name irritiert: Zwar nahm die Bewegung am Hudson River ihren Anfang und die ersten Bilder entstanden in dem Flusstal nordwestlich von New York, doch viele Maler lebten in anderen Landesteilen und haben den Hudson River wahrscheinlich nie gesehen.

Was alle verbindet, ist die leidenschaftliche Romantik, mit der die Künstler die Landschaften malten und die Spiritualität, die die Bilder ausstrahlen. Allen Malern gemeinsam war der Wille, die Schönheit der Natur darzustellen und die friedvolle Idylle auf die Leinwand zu bannen. Nicht selten erhielten die Bilder durch die Beseelung und Mystifizierung der Landschaften eine religiöse Note und nicht wenige Maler verbanden die realistische Darstellung der Landschaft mit religiösen Themen. Viele Gemälde zeigen eine stark betonte Gefühlswelt und trotz der realistischen Malweise enthalten die Bilder einen sehr subjektiven Eindruck bis hin zur Übertreibung.

Schon bald wurden neben der reinen Landschaftsmalerei auch weitere Themen aufgenommen. Das Leben der Ureinwohner des Landes rückte in den Blickpunkt, aber auch das Alltagsleben der Siedler. So wurden die Künstler der Hudson River School zu Vorreitern eines Nationalgefühls und brachten die aufkeimende Nation auf einen gemeinsamen Nenner. Die Maler der “School” wurden zu Identitätsstiftern.

Inspiriert wurden die Maler nicht zuletzt von der europäischen Romantik jener Zeit um die Dichter Byron, Shelley und Keats. Besonders angetan hatten es den jungen Amerikanern die beiden europäischen Maler Eugène Delacroix und William Turner. Die exotischen Bildthemen von Delacroix, seine ungewöhnliche, emotionale Malweise, die leidenschaftliche Wirklichkeitserfassung und seine Farben beeindruckten die Maler tief. Und Turners Bilder, die oftmals ein Rausch aus Farbe und Licht sind, beeinflussten die Malweise der Amerikaner entscheidend.

So sehr die Hudson River School auch für die kulturelle Selbstständigkeit Amerikas steht, nahm sie doch ihren Anfang in Europa und fand hier auch immer wieder Inspiration. Viele der Maler der Hudson River School wurden in Europa geboren und dort ausgebildet, ehe sie in die neue Welt emigrierten. Andere reisten lange Jahre durch Europa und malten hier, wie einige Bilder beweisen.

Ein Buch wurde zum Grundstein für die Hudson River School. Das “Essay über die amerikanische Landschaft” von Thomas Cole (1801-1848) sollte die Amerikaner mit der amerikanischen Landschaft und ihrer Vielfalt bekannt machen. Die Natur könne durchaus eine moralische Botschaft vermitteln und mit ihrer Größe und Vielfalt identitätsstiftend für das amerikanische Volk sein, so Cole in seinem Buch.

Cole äußerte den Wunsch, ein nationales Bewusstsein zu schaffen und wollte mit dem Vorbild der natürlichen Vielfalt und Ordnung auch moralische und kulturelle Standards schaffen. So wurden die Maler der Hudson River School nicht nur zu akribischen Beobachtern der Natur, sondern auch zu Verfechtern geistiger Werte. Das ging so weit, dass in Coles Bildern sogar surrealistische Tendenzen erkennbar wurden und religiöse Themen breiten Platz einnahmen. Thomas Cole wurde zum Gründer und geistigen Vater der Hudson River School.

Coles Erfolg als Maler und Publizist, der ihn auch zum Hauptvertreter der Hudson River School machte, ging vor allem auf seine genaue Beobachtungsgabe zurück und seinen einzigartigen Malstil, der den Bildern eine mystische Aura verlieh und damit den Geschmack des Publikums in Amerika traf. Sein Gemälde “The Oxbow” von 1836 wurden zum Symbol für die amerikanische Landschaft und seinen Gemäldereihen “The Course of Empire” und “The Voyages of Life” zum Sinnbild für die monumentale Fantasie und die Kraft seiner Bilder.

Die in der Ausstellung „Neue Welt“ in der Staatsgalerie Stuttgart gezeigten 73 Gemälde und Zeichnungen amerikanischer Künstler stammen aus dem Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut, das 1844 als erstes öffentliches Kunstmuseum in Amerika gegründet wurde. Es bewahrt eine der größten und bedeutendsten Sammlungen amerikanischer Landschaftsmalerei. Sie wird nun erstmals repräsentativ in Europa gezeigt. Die Ausstellung gliedert sich in acht Sektionen: Wildnis, Die Siedler in der Wildnis, Die Niagarafälle und ihre „furchtbare Grandeur“, Kunst und Wissenschaft, Die Anziehungskraft Italiens, Der amerikanische Westen, Luminismus, Die Entstehung der erhabenen Landschaft.

Einen längeren Artikel zum Thema habe ich 2005 geschrieben, nachzulesen hier.

Der Name, der aber wie kein anderer für die französische Bildhauerei des 19. Jahrhunderts steht, ist Auguste Rodin. Geprägt von der Begeisterung jener Zeit für die antiken Skulpturen, widmete sich Rodin dem intensiven Naturstudium. Seine Arbeiten stehen thematisch für den Symbolismus, doch die Ausarbeitung ist neu. Trotz barockem Realismus und Vollendung des Klassischen künden die impressionistisch anmutenden, zerklüfteten Oberflächen von etwas Neuem.

Rodin ist es auch, der die Figuren als erster absichtlich unvollendet lässt. Er formt Torsi ohne Arme und/ oder Beine. Berühmtestes Beispiel ist “Der Schreitende”. Kunstwerke werden zu Fragmenten derWirklichkeit. Seine Figuren versetzt er in bisher unbekannte Dynamik. Rodin dringt tief in seelische Bereiche ein, ohne den affektierten Gefühlen seiner Zeitgenossen nachzugeben.

Die lebensgroßen Figuren wagen ein Höchstmaß an Wirklichkeitsnähe und schwanken doch zwischen zeittypischer Idealisierung und einem neuentdeckten Expressionismus. Ein spannender Interessenkonflikt, wie ihn viele Künstler des 19. Jahrhunderts spüren. Die neue Künstlergeneration des 19. Jahrhunderts beginnt, ihr Recht auf Spontanität einzufordern. Diese steigert sich erbarmungslos kritisch bis hin zur Karrikatur bei Honoré Daumier und endet im ausgehenden 19. Jahrhundert mit den Repräsentanten der frühen Moderne, die getrennte Wege gehen. Während Degas’ Tänzerin die ganze Leichtigkeit ihrer Jugend zur Schau stellt und ihr zartes Kleidchen und die Figur in voller Bewegung zu Erstarren scheinen, sind Matisses Figuren zerklüftet und voll übertriebener Gestik und Körperfülle. Nur Maillol versucht, am idealisierten Bild der alten Zeit festzuhalten.

Die Ausstellung versteht es, den Widerstreit künstlerischer Haltungen offenzulegen: klassizistische Strenge gegen romantische Emotion, gefällige Grazie contra bittere Satire, akademische Konvention im Wettstreit mit der Freiheit. Es ist die erste, die sich dabei ganz der Bildhauerei verschrieben hat. Unbedingt anschauen!

Übrigens gehören die langen Schlangen der MoMA-Ausstellung der Vergangenheit an. Wer eine Eintrittskarte gekauft hat, bekommt nun eine halbe Stunde bevor er dran ist ,eine SMS auf das Handy. In der Zwischenzeit werden andere Museen in der Umgebung als Zeitvertreib empfohlen. “Intelligentes Warten” nennt das die Neue Nationalgalerie. Das intelligentere Warten dürfte für viele aber das kleine französische Dorf hinter dem Ausstellungshaus sein. Dort wird in kleinen Häuschen alles verkauft, was in Frankreich gut und gerne gegessen wird.

Mehr unter: www.metinberlin.org.

Foto aus “Goyas Geister”
© TOBIS Film

Jedes Jahr kommen ein oder zwei Künstlerfilme ins Kino. Und leider sind die meisten nicht wirklich gut. Nicht wirklich gut im Sinne dessen, was man als kunstinteressierter Mensch erwartet. Eigentlich sollte ein solcher Film Leben und Werk eines Künstlers beleuchten, seinen Werdegang und sein Arbeiten. Natürlich darf es auch ein bisschen Liebe, Schmerz und Rivalität geben, um dem Stoff die nötige Würze zu verleihen und Zuschauer in Massen ins Kino zu locken. Doch leider treten bei den meisten Filmen über Künstler Liebe, Herzschmerz und Dramatik in den Vordergrund. Leben und Werk dienen nur als Aufhänger und schmückendes Beiwerk. “Das Mädchen mit dem Perlenohrring” ist ein gutes Beispiel für solch einen Film.

So auch im Fall von Goyas Geister. Dabei gäbe Goya eigentlich eine perfekte Kinofigur ab. Er war eine schillernde Persönlichkeit, Revoluzzer gegen Klerus und Krieg. Bei allem Interesse an den Leiden des einfachen Volkes auch ein von Geltungssucht Getriebener, der gerne in aristokratischen Kreisen verkehrte. Rebell und Beobachter seiner Zeit.

Doch von all dem zeigt der Film wenig, statt dessen dreht sich alles um Goya und dessen Modell Inés, eingebettet in die Unbill jener Zeit. Regisseur Milos Forman hat sich so in die historischen Ereignisse und die Dramen um die schöne Inés gesteigert, dass er ganz vergesen hat, welch wunderbaren Stoff das Leben und die Person Fransico Goya abgibt. Die innere Zerrissenheit von Goya, sein ambivalentes Leben, die Verarbeitung der politischen Geschehnisse seiner Zeit in seinen Werken stehen im Hintergrund.

Goya wird als Mitläufer dargestellt, der sein Fähnlein in den Wind hängt. Das stimmt so aber nicht, nur wehrt sich Goya eben mit seinen Mitteln. Düster ist die Stimmung in den grandiosen Radierungen “Desastres de la guerra”, in denen der Maler die Grausamkeiten des Kriges verarbeitet. Hohn über die menschlichen Unzulänglichkeiten spricht aus den “Caprichos”, Todesangst aus den Suenos (Träumen). Und wenn Goya die Familie Karls IV. malt, dann ist dies keine einfaches Porträt des feisten Herrschers, sondern ein Bildnis für die Dekadenz und Eitelkeit des Königs und seiner Familie.

Trotz der Unzulänglichkeiten lohnt sich ein Kinobesuch trotzdem für diejenigen, die auf Liebesgeschichten und historische Stoffe in opulenter Umsetzung stehen. Man darf nur nicht die Erwartung haben, tief in die Seele Goyas blicken zu dürfen.

Die Ausstellung legt den Fokus ganz auf die “Krisenjahre” nach 1642. Nach dem Tod von Rembrandts Frau Saskia rutschte Rembrandt in eine tiefe seelische und künstlerische Krise. Er konnte mit Geld nicht umgehen, übernahm sich mit dem Kauf eines Hauses und bekam finanzielle Probleme. Aber auch seine schöpferische Kraft ließ in jenen Jahren deutlich nach. Bis in die 1650er Jahre malte er nur wenige Bilder, blieb aber in seinem Atelier als Lehrmeister tätig. Interessant ist die Ausstellung vor allem da, wo Werke des Meisters denen von Schülern gegenübergestellt werden. Wo doch gerade in den letzten Jahren inbrünstig darüber gestritten wird, welche Bilder nun echt sind und welche von Schülern stammen.

Mehr unter: Alte Nationalgalerie