Blick in die Ausstellung
Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus, München”

Die Retrospektive umfasst 95 Gemälde aus alle wichtigen Perioden des Gesamtwerks, wobei sich die Sammlungsschwerpunkte der drei Partnermuseen in idealer Weise ergänzen: Das Lenbachhaus
kann aus seiner herausragenden Kollektion von Werken aus der Zeit des “Blauen Reiter” von 1908 bis 1914 schöpfen, die mit der Schenkung Gabriele Münters ins Haus kamen. Im Centre Pompidou liegt der Schwerpunkt auf Kandinskys Schaffen während der Russischen Revolution und seiner Zeit am Bauhaus von 1917 bis 1933. Zusätzlich befinden sich dort außergewöhnliche Werke der Pariser Periode, die von Nina Kandinsky gestiftet wurden. Schließlich ist dank der Ankäufe von Solomon R. Guggenheim und Hilla Rebay Kandinskys Spätwerk aus den Pariser Jahren von 1933 bis 1944 zusammen mit einigen frühen Schätzen aus der expressionistischen Phase im Guggenheim Museum in New York großartig vertreten.

Eine bis jetzt noch nie gezeigte Auswahl und Anzahl von Gemälden aus jedem der drei Museen bildet den Kern der Werkschau. Um die Rolle Wassily Kandinskys (1866-1944) als Pionier und auch Theoretiker der Abstraktion in vollem Umfang darstellen zu können, werden wir ausschließlich Hauptwerke größeren Formats, die für den Verlauf seiner Entwicklung entscheidend waren, zusammenführen, und damit zentrale Beispiele auf dem Höhepunkt seines Schaffens präsentieren.

Die konzentrierte Auswahl aus den besten Werken dieser Sammlungen wird noch ergänzt durch kapitale Leihgaben, um – nach der besonderen Vision der Ausstellungsmacher – Kandinskys Reihen der großformatigen “Impressionen”, “Improvisationen” und auch “Kompositionen” möglichst repräsentativ zusammenzustellen, die für den Künstler selbst als seine wichtigsten Werke gegolten haben.

Die Sammlungen der drei Museen wurde bisher in diesem Umfang noch nie ausgeliehen, eine einmalige Gelegenheit also, das Werk des Künstlers eindrücklich und intensiv zu erleben und dabei gleichsam seinen Lebensstationen in Moskau, München, Paris nachzugehen.

Zeitgleich zeigt das Lenbachhaus das druckgrafische Werk Kandinskys. Zu sehen sind rund 230 Holz- und Linolschnitte, Radierungen, Lithografien und Plakate Kandinskys aus den Jahren 1902 bis 1942. In seinen frühen Jahren in München und Paris bis zur Zeit des “Blauen Reiter2 1911 schuf Kandinsky den größten Teil seines druckgrafischen Oeuvres, überwiegend Farbholzschnitte, wobei er mit bis zu sechs Farbzuständen pro Blatt experimentierte. Zwei Drittel der Ausstellung zeigen deshalb Blätter dieser Periode, daran schließen sich die Werke aus der Bauhaus-Zeit und den Pariser Jahren an.

Für Kandinsky gab es keinen Wesensunterschied zwischen Malerei und Grafik, er widmete sich in allen künstlerischen Medien mit gleicher Intensität seinem Ziel, das “Geistige in der Kunst” zum Ausdruck zu bringen.

Fast alle in der Ausstellung gezeigten Druckgrafiken stammen aus dem Besitz der Städtischen Galerie im Lenbachhaus, die mit der großzügigen Schenkung Gabriele Münters 1957 auch das beinahe vollständige druckgrafische Werk Kandinskys erhielt. Da dieser großartige Bestand, der weltweit in keiner anderen Sammlung in dieser kompletten Form vorliegt, die gesamte Schaffenszeit Kandinskys abdeckt, ist die Ausstellung des “Druckgrafischen Werkes” im Lenbachhaus eine ideale Ergänzung zu der großen internationalen Retrospektive im Kunstbau.

Anders als die Gemäldeausstellung, wandert die Druckgrafikausstellung nicht nach Frankreich und in die USA, so dass ein großer Teil des Schaffens in seiner Gesamtheit nur in München zu sehen sein wird. Die Ausstellung wird im Anschluss im Kunstmuseum Bonn (02. April bis 12. Juli 2009) gezeigt.

Die Ausstellung ist für eines der Highlights des zu Ende gehenden Jahres. Besonders gelungen ist die Präsentation der Bilder, auch wenn die Beschriftung der Bilder etwas zu hoch angebracht ist. Das sieht zwar schick aus, dürfte aber einigen Besuchern Probleme bereiten. Herausragend auch die schiere Anzahl der gezeigten Ausstellungsstücke von Gemälden und Druckgrafiken, die einen wunderbaren Überblick über Kandinskys Schaffen ermöglicht. Die Ausstellung sollte man sich auf keinen Fall entgehen lassen und auch eine weitere Anreise lohnt sich!

Hrldicka wird 1928 in Wien geboren. Seine Kindheit ist geprägt von der politschen Arbeit des Vaters, der als Kommunist und Gewerksschaftsfunktionär für bessere Bedingungen der Arbeiter kämpfte. Der kleine Alfred verteilt zusammen mit seinem Vater Flugblätter. Alfred erlebt Hausdruchsuchungen, Prügel durch die Polizei bis sein Vater von den Nationalsozialisten verhaftet wird und Zwangsarbeit leisten muss. Auch der Krieg ist für den Jungen furchtbar, sein älterer Bruder fällt. Er selbst entzieht sich dem Kriegsdienst und lebt mit dem Vater bis zum Ende des Krieges in der Illegalität.

Hrdlicka machte eine Ausbildung zum Zahntechniker, danach studierte er von 1946 bis 1952 Malerei an der Akademie der Bildenden Künste Wien bei Gütersloh und Dobrowsky. Von 1953 bis 1957 nimmt er ein Studium der Bildhauerei an der gleichen Akademie bei Fritz Wotruba auf. 1964 erlangte er internationale Bekanntheit, als er gemeinsam mit Herbert Boeckl Österreich auf der 32. Biennale in Venedig vertrat.

Hrdlickas Werk ist geprägt von der Auseinandersetzung mit Leid, Tod, Angst und Schmerz. Immer ist dabei auch ein politischer Anspruch erkennbar. Hrdlicka prangert die bestehenden Machtverhältnisse an, kämpft für die Unterdrückten und bessere Lebensverhältnisse der Menschen. Auch Krieg, Gewalt und Faschismus sind für den bekennenden Atheisten und Marxisten Hrdlicka wichtige Themen.

Hrdlicka arbeitet mit allen klassischen Medien. Zeichnung, Grafik, Malerei und Bildhauerei sind für ihn gleichwertig, auch wenn er der Bildhauerei einen besonderen Platz einräumt. Seit seinen gesundheitlichen Problemen kann er allerdings nur noch zeichnen, die Arbeit mit Hammer und Meissel ist zu anstrengend.

Sein Stil ist unverkennbar. Er arbeitet figurativ, aber stark expressiv. Bewusst setzte sich Hrdlicka von der abstrakten Bildwelt seiner Künstlerkollegen ab. Wie er selbst sind auch seine Figuren psychischen und pysischen Extremsituationen ausgesetzt. Besonders eindringlich sind seine Denkmäler. Fragmente geschundener Körper, gequält, sich windend, zerrissen, gequält, verängstigt und geschändet. Und so umstitten seine Monumentalskulpturen (insbesondere in seinem Heimatland) auch sein mögen, seine kleineren Arbeiten überzeugen und sind von großer Intensität. Genauso wie die Zeichnungen und und Radierungen, die wahrhaftig genial sind. Auch diese haben immer politische Bezugspunkte. Immer schwingen Witz und Ironie mit, oft geprägt von sexuellen Andeutungen und Zweideutigkeiten.

Hrdlicka feierte am 27. Februar 2008 seinen achtzigsten Geburtstag. Zu diesem Jubiläum präsentieren gleich mehrere Museen und Galerien Ausstellungen:

• Religion, Fleisch und Macht – das Religiöse im Leben des Alfred Hridlicka, bis 10. Mai 2008, Dommuseum Wien
• Alfred Hrdlicka – Bildhauer | Maler | Zeichner, bis 19. September 2008, Kunsthalle Würth, Schwäbisch Hall
• Alfred Hrdlicka zum 80. Geburtstag, 2206. – 31.08.2008, Galerie Bose, Wittlich

Immer wieder zeigt die Wiener Galerie Hilger Ausstellungen zu Hrdlicka.

Nobuyoshi Araki (*1940), den viele besser als “den Fotografen mit den nackten und gefesselten Modellen” kennen werden, trifft in “araki meets hokusai” auf die traditionellen japanischen Holzschnitte von Katsushika Hokusai (1760-1849).

Nobuyoshi Araki, Courtesy Jablonka Galerie, Köln/Berlin

Katsushika Hokusai, Die große Welle
Privatsammlung, Courtesy Michael Thun © Katsushika Hokusai

Arakis verstörende Fotos zeigen Wunsch und Wirklichkeit des Fotografen, voll von offen zur Schau gestellter Sexualität und Erotik, die gelegentlich ins Pornografische abzurutschen drohen. Hokusai hingegen malte betörend schöne, filigrane Werke, in denen Begehren und Erotik gelegentlich aber auch offen gezeigt werden. im Gegensatz zur eher prüden Malerei Europas im 18. und 19. Jahrhunderts gehen die Werke sehr weit.

Dritte im Bunde, aber mit einer eigenen Ausstellung bedacht, ist die japanische Künstlerin Kumi Machida (*1970), die zur neuen Generation von japanischen Künstlern gehört. Machida studierte in Tokio Nihonga-Malerei (japanische Malerei) und zählt zur Neo-Nihonga-Gruppe, die traditionelle Elemente der japanischen Kunst im Kontext der heutigen Zeit weiterentwickelt. Aber Machida integriert nicht einfach zeitgenössische Elemente in klassische Formprinzipien. Kompromisslos reduziert sie die Formsprache und abstrahiert.

Kumi Machida, Relation, 2006
Sumi-Tinte (blau, braun), mineralische und andere Pigmente
auf Kumohada-Leinenpapier, 181.5×343 cm
Courtesy Nishimura Gallery, Tokyo , © Kumi Machida
Foto: Ichiro Otani

Bildgegenstand sind fast immer menschliche Beziehungen, dabei geht sie von alltäglichen Details und Situationen aus, die zu überraschenden Bildfindungen führen und auch über kulturelle Schranken hinweg lesbar bleiben. Die linearen Pinselzeichnungen erinnern an Comics und sind eine gekonnte Mischung aus klassischer Maltradition und Kalligrafie mit verstörenden Bildwelten, die so gar nicht zur klassischen Kunst passen wollen.

Zur Ausstellung ist ein schöner Katalog im Kehrer Verlag (38 Euro) erschienen.

Anmerkung: da sowohl einige der Fotografien Arakis als auch Bilder von Hokusai nah an der Grenze zur Pornografie sind, habe ich hier Werke ausgewählt, die diese Grenzen einhalten, aber einen Vergleich natürlich erschweren. Ich bitte um Verständnis.