Blick in die Ausstellung,Foto: David Brandt, © DHM, Dresden

Die Uniform entindividualisiert den Menschen, aber sie verleiht dem Träger nicht selten aber auch Status und Macht oder demonstriert Gruppenzugehörigkeit oder Entsagung, wie bei Mönchen und Nonnen. Koelbl zeigt die Menschen in großformatigen Bildpaaren mit und ohne Uniform direkt nebeneinander. Da ist die schüchterne junge Frau, die als Schornsteinfegerin stolz darauf ist, in einer Männerdomäne zu arbeiten oder der rüstige Rentner im Trainingsanzug der in der bischöflichen Soutane Ruhe und Würde ausstrahlt. Auch die junge Mongolin in legerer Freizeitkleidung und ebensolcher Haltung wird mit der Uniform eine andere. Sie ist die einzige Frau in einer Antiterroreinheit und wird plötzlich eine Respektsperson, die jeden Muskel im Körper angespannt zu haben scheint. Aus der Lack- und Lederdomina wird eine biedere Normalofrau. Humor beweist Anwalt und Kunstmäzen Peter Raue. Freizeitkleidung besitze und brauche er nicht, also trägt er neben dem grauen Dreiteiler mit roter Fliege – nichts.

Wie schon in der Fotoserie “Spuren der Macht”, in der Koelbl Spitzenpolitiker über Jahre mit der Kamera begleitete, zeigt Koelbl auch hier, was Beruf und Gesellschaft aus einem Menschen machen. Das ist inspirierend und spannend zugleich. Unbedingt anschauen!

Mehr unter Kleider machen Leute, DHM.

Das Bild stammt von Claude Gellée den alle wegen seiner Herkunft aus dem kleinen lothringischen Dorf Chamagne nur „Le Lorrain“ nannten. Dort wurde Claude um 1600 geboren. Wenig ist über die Jugend des Lothringers bekannt. Die Eltern starben früh, sodass er sich alleine durchschlagen musste. Er ging nach Rom und wurde Pastetenbäcker. Ein Zufall ließ ihn eine Anstellung bei dem Maler Agostino Tassi finden, der das Talent des jungen Mannes erkannte und ihn zum Maler ausbildete. Zu seinen frühen Förderern gehörte auch der niederländische Künstler Herman van Swanevelt, der im gleichen Haus wohnte.
Schnell erfreuten sich Claude Lorrains Gemälde großer Beliebtheit. Kardinäle, Fürsten, europäische Königshäuser und die Päpste gehörten zu seinen Kunden. Bald schon konnte Lorrain die Nachfrage nach seinen Bildern kaum noch erfüllen. 250 Gemälde, 1200 Zeichnungen und 44 Druckgrafiken schuf der Künstler bis zu seinem Tode im Jahr 1682.

Claude Lorrain (um 1600–1682), Landschaft mit Ascanius, der den Hirsch der Silvia erlegt, 1682
Öl auf Leinwand, 120 x 150 cm, Ashmolean Museum, Oxford
© Ashmolean Museum, University of Oxford

Anders als bei vielen anderen Künstlern seiner Zeit nahmen Grafiken und Zeichnungen eine wichtige Stellung in Lorrains Schaffen ein. Stundenlang durchstreifte er die ländliche Umgebung Roms und skizzierte Stadtansichten, antike Tempel, Hirtenszenen und Landschaften. Diese Studien nutze er anschließend, um daraus Gemälde zu komponieren. Wie aus dem Baukasten fügte er einzelne Landschaftsansichten und Gebäude zusammen.
Zwar erzählt Lorrain oft eine mythische oder biblische Geschichte, doch Menschen und Götter sind nur Staffage, im Mittelpunkt steht die Natur. Wie etwa in seinem letzten Gemälde „Landschaft mit Ascanius, den Hirsch der Silvia erlegend“ (1682): Im Vordergrund erzählt Lorrain Vergils „Aeneis“ entlehnte Geschichte des Ascanius, der den zahmen Hirschen einer Latinerin erlegt, was schließlich in einem Krieg zwischen Latinern und Trojanern endet. Den Hintergrund bilden im unteren Drittel eine zeitlos klassische Landschaft mit einem Wald, im Mittelpunkt eine Flusslandschaft und in der oberen Hälfte eine Küstenlandschaft und der Himmel. Nichts lässt den Betrachter erahnen, dass ein Krieg heraufzieht. Oder doch? Im Hintergrund thront trutzig die Burg der Latiner im Dunst, Ascanius spannt den Bogen, dunkle Wolken ziehen auf.
Meisterhaft verstand Lorrain die Wiedergabe von Licht und spielte mit atmosphärischen Nuancen. Die Ausgewogenheit der Komposition und das ruhige Miteinander von Mensch und Natur bestimmen seine Bilder. Trotzdem wohnt seinen Bildern eine spannungsvolle Dynamik inne. Deutlich machte Lorrain dies durch die Technik, Bilder einander gegenüberzustellen, die kompositorische Entsprechungen oder Gegensätze aufweisen. Oftmals kombinierte der Meister eine arkadische Landschaft mit einer Meeresansicht oder eine morgendliche mit einer abendlichen Szene. So setze Lorrain der ländlich geprägten „Landschaft mit Ascanius “ das Bild „Ansicht von Karthago mit Dido und Aeneas“ (1675/76) entgegen, eine städtische Szene mit Blick auf das Meer.

Das Städel Museum zeigt in der Ausstellung „Claude Lorrain. Die verzauberte Landschaft“ neben 13 Gemälden auch über 100 Drucke und Zeichnungen. Deutlich wird die Eigenständigkeit der Grafiken. Viele der Motive veränderte Lorrain und produzierte nach einzelnen Arbeitsschritten neue Abzüge. Sein Herz schien daran zu hängen. Nur ungern gab er diese Grafiken an Sammler ab und ließ sich allerlei Ausreden einfallen, um sie zu behalten.
Ab 1635 fertigte Lorrain mit dem „Liber Veritatis“ ein spezielles Album mit Zeichnungen seiner Gemälde an. Anfangs wollte er damit noch ein Werkverzeichnis erschaffen, doch die Arbeiten wurden mehr und mehr zu zeichnerischen Reflexionen der Gemälde.

Der Shootingstar dieser Zeit war Jean-Michel Basquiat, der als afroamerikanischer Graffiti-Künstler die New Yorker Kunstwelt aufmischte. Innerhalb weniger Jahre avancierte der in Brooklyn geborene Sohn eines Haitianers und einer Puerto-Ricanerin vom obdachlosen Graffitisprayer zum neuen Helden des Neoexpressionismus. Mit ausdrucksvollen Gesten und narrativem Stil überzog Basquiat den Malgrund mit Symbolen, Piktogrammen und Kritzeleien. Wie im Rausch malte er aggressive und impulsive Bilder. In den wenigen Jahren seines kurzen Lebens schuf er über 1000 Gemälde und Zeichnungen bevor er 1988 im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis starb.

Jean-Michel Basquiat und Andy Warhol, Drug King, 1984
Acryl auf Leinwand, 287 x 417 cm, Privatsammlung
© The Estate of Jean-Michel Basquiat / ADAGP, Paris, 2011 und The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Ein großer Bewunderer Basquiats war Andy Warhol. Der legendäre Star der Pop Art wendete sich nach musikalischen und cineastischen Ausflügen Anfang der achtziger Jahre wieder den für ihn typischen seriellen Drucken zu. Doch Warhols Konsumkritik langweilte Kritiker und Publikum. Das brachte den Zürcher Galeristen Bruno Bischofberger 1983 auf die Idee, den alternden Künstler in Kontakt mit jungen Malern seiner Galerie zu bringen. Der Galerist stellte Clemente, Basquiat und Warhol einander vor und schlug ihnen eine Serie von gemeinsamen Werken vor. Die Künstler waren von der Idee angetan.
Jeder sollte mit vier Gemälden und einer Zeichnung beginnen und diese an die Kollegen weiterreichen, die dann ihrerseits eigene Details hinzufügen sollten. Zwischen 1983 und 1985 entstanden so 15 großformatige Arbeiten. Warhol setzte meist Siebdrucke von Alltagsgegenständen ein, Clemente fügte einige Figurengruppen hinzu und Basquiat ergänzte Kritzeleien und Textcollagen oder aggressive Figuren mit maskenhaften Gesichtern in starken Farben.
In den Bildern trafen die unterschiedlichen Temperamente der drei mit brachialer Wucht aufeinander. Da ist Warhol, der mit seiner seriellen Grafik emotionslos Motive aus Alltagskultur und Massenmedien zitierte, der sanfte Clemente, der auf der Suche nach Spiritualität mystische, fast surreale Werke schuf und Basquiat der hoch emotional die Leinwand traktierte.

Die Ergebnisse dieser ungewöhnlichen Zusammenarbeit sind nun in der Ausstellung „Ménage à trois“ in der Bundeskunsthalle in Bonn zu sehen. Gezeigt werden nicht nur acht der fünfzehn entstandenen „Collaborations“, sondern auch zahlreiche Einzelwerke der drei, um die individuellen Anteile der Künstler an den gemeinsamen Arbeiten zu verdeutlichen. Jeder Maler erhielt in der Ausstellung zwei eigene Räume mit charakteristischen Werken. In weiteren Sälen wird bei den Koproduktionen dann die gegenseitige Beeinflussung der Künstler sichtbar, insbesondere die 23 ausgestellten Arbeiten von Warhol und Basquiat sind Beweis der fruchtbaren Zusammenarbeit. Nach zwei Jahrzehnten begann Warhol wieder von Hand zu malen, während Basquiat mit dem Siebdruck experimentierte.
Ausdrucksstark sind die Bilder immer dann, wenn die Künstler aufeinander eingehen, wie etwa in „Third Eye“ (Drittes Auge, 1985) in dem Warhol die anatomische Zeichnung Basquiats mit Preisschildern einer Metzgerei kontert. Der Auseinandersetzung mit Leben und Tod wird so die Kommerzialisierung des Körpers durch die Werbung entgegengesetzt. Basquiat antwortete mit einer weiteren Überarbeitung und zusätzlichen Symbolen, die Warhols Aussage noch verstärken.
Leider hatte die Zusammenarbeit aber auch ihre Grenzen. Zu deutlich ist die Handschrift von Basquiat, seltsam schwach wirkt der Einfluss von Warhol und Clemente. Es fehlte wohl am gemeinsamen Kompositionswillen und so wirken viele Bilder wie zusammengestückelte Fragmente der drei Beteiligten. Aber auch wenn die Bilder Schwächen haben, künstlerisch war die Zusammenarbeit ein Glücksfall, genau so wie sehenswerte Ausstellung in der Kunst- und Ausstellungshalle in Bonn.

Initiator des neuen Museums war der kunstbesessene Ehemann von Queen Victoria, Prinzgemahl Albert von Sachsen-Coburg und Gotha. Er hatte 1851 die Idee, eine Weltausstellung in London zu organisieren, um den Einfluss von Wissenschaft und Kunst auf die Industrie zu steigern. Außerdem erhoffte sich das Königshaus einen positiven Effekt für den Freihandel.
Der Ausstellungsort im Londoner Hyde Park war ein Beweis der architektonischen und industriellen Fähigkeiten des britischen Königreichs. Der Kristallpalast war ein überdimensionales Gewächshaus aus Stahl- und Glas-Fertigteilen. In der 560 Meter langen und 137 Meter breiten Halle wurden über 100.000 technische Erfindungen und kunsthandwerkliche Erzeugnisse gezeigt.

Ausstellungsansicht, Foto: David Ertl
© Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland

Die Leistungsschau war mit sechs Millionen Besuchern so erfolgreich, dass Albert sich entschloss, ein Museum zu gründen, das sich ganz dem Erwerb und der Präsentation kunsthandwerklicher Objekte widmen sollte. Das neue Haus sollte Schule des öffentlichen Geschmacks sein und Kunsthandwerkern, Künstlern und Architekten Anregung und Inspiration bieten.
Mit dem finanziellen Gewinn aus der Weltausstellung erwarb Albert ein 35 Hektar großes Grundstück im Herzen Londons und erbaute ein Kulturviertel, zu dem auch das neue South Kensington Museum gehörte. Neben der kunstgewerblichen Sammlung mit Möbeln und Einrichtungsgegenständen, Schmuck und Porzellan zeigte man Gemälde und Skulpturen des Mittelalters und der Renaissance und gründete die erste Kunstbibliothek der Welt. Das Museum erwarb auch Maschinen und stellte die Herstellungsprozesse industrieller Produkte nach. In einem „Schreckenskabinett“ wurden Geschmacksverirrungen präsentiert, um dem Bildungsauftrag gerecht zu werden.
Bald schon konnte man Ausstellungsstücke aus allen Teilen der Welt bewundern. Königin Victoria übergab dem Museum diplomatische Geschenke, darunter japanische und chinesische Objekte, aber auch islamische Kunst. Als die britische Ostindien-Kompanie aufgelöst wurde, erwarb das Haus weitere 19.000 Exponate und auf den Weltausstellungen der folgenden Jahre erstand man weitere herausragende Designbeispiele. Ende des 19. Jahrhunderts platze das Museum aus allen Nähten.

1899 legte Königin Victoria den Grundstein für einen Neubau. Im Gedenken an ihren inzwischen verstorbenen Gemahl sollte das Museum nun „Victoria and Albert Museum“ heißen. Der Bau im Neorenaissance-Stil ist bis heute Sitz der Sammlung. Rund 15 Kilometer muss man zurücklegen, will man alle Räume besuchen und alle ausgestellten Exponate sehen. Insgesamt türmen sich in den Ausstellungssälen und dem Depot heute mehr als zwei Millionen Gegenstände.
Erstmalig öffnete das V&A nun seine Schatzkammer für ein anderes Museum und verlieh ein Konvolut von 400 Stücken an die Bundeskunsthalle in Bonn. 100 weitere Leihgaben ergänzen die Ausstellung „Art and Design for All“ – Kunst und Design für alle. Das Spektrum reicht von einem Eichenschrank im gotischen Stil über Mode, Keramik, Porzellan, Fotografien und Gemälde bis zum silbernen Toasthalter aus den 1880er Jahren, der es mit heutigem Design durchaus aufnehmen kann.
Auf einem Rundgang in 16 Kapiteln dokumentiert die Kunsthalle die Entstehung des größten Kunstgewerbemuseums der Welt von der Weltausstellung über die Vorgängerinstitutionen bis zum heutigen Museum und untersucht dessen Einfluss. Leider hat das Londoner Museum sein größtes Kapital, eine prachtvolle Sammlung von Gemälden von William Turner und John Constable nicht herausgerückt. Die reich bestückte Ausstellung ist trotzdem ein nettes Appetithäppchen, das Lust auf eine Reise in die heiligen Hallen des Victoria and Albert Museums macht.

Bis 15. April 2012 in der Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland in Bonn. Zur Ausstellung erschien ein reich bebilderter Katalog zum Preis von 32 Euro

Salvador Dalí, Traum, verursacht durch den Flug einer Biene um einen Granatapfel, eine Sekunde vor dem Erwachen, 1944
Öl auf Holz, 51×41cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Foto: © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid © 2011, Fundació Gala-Salvador Dalí / ProLitteris, Zürich

Für Breton war „das Laster namens Surrealismus […] der zügellose leidenschaftliche Gebrauch der Droge Bild.“ Fast vergessen ist inzwischen, dass die Surrealisten der ersten Stunde vor allem Literaten waren, die von den Albernheiten des Dadaismus genug hatten. Man wollte der Kälte der Nachkriegsgesellschaft nicht mehr nicht mehr länger mit Blödelei entgegnen, sondern die Gesellschaft und ihre Menschen aktiv verändern. Breton udn seine Kollegen wollten das Unwirkliche und Traumhafte in der Kunst verankern und den durch die Logik begrenzten menschlichen Erfahrungsbereich durch das Fantastische und Absurde erweitern. Geschehen sollte das mittels der „Écriture automatique“, dem automatischen Schreiben. Dazu sollte der Verstand ausgeschaltet werden und möglichst automatisch ohne Nachdenken geschrieben werden, um die Tiefen menschlichen Bewusstseins sichtbar zu machen. Schnell kamen zu den Literaten auch Künstler hinzu. Dalí, Magritte, Miró, Masson und Max Ernst, selbst Picasso ließ sich von der surrealistischen Gedankenwelt inspirieren.

Die Fondation Beyeler in Basel zeigt nun in einer grandiosen Ausstellung die Geschichte des Surealismus. Das Hauptaugenmerk legt die Ausstellung auf Dalí, Miró und Magritte, deren Malstil beispielhaft für die beiden Richtungen des Surrealismus steht. Dalí malt in hyperrealistischer Malweise absurdeste Traumsequenzen. Magritte hingegen vereinte in seinem realistischen Malstil gegensätzliche Dinge, wie etwa die wunderschöne Pfeife unter der steht, das dies keine Pfeife sei. Und schließlich Míro, der mit seinen kryptischen Symbolwelten die Écriture automatique visuell perfekt umsetzte.

Die Ausstellung beleuchtet die Geschichte des Surrealismus zu seinen Glanzzeiten im Paris der 1920er und 1930er Jahre, bevor die Protagonisten dann vor dem Krieg in die USA flüchteten. Neben den Gemälden sind auch Zeichnungen, Fotos, Briefe und handschriftliche Notizen ausgestellt. Neben den drei Malern sind auch Vorläufer zu sehen, aber auch weitere Maler, Lyriker und Schriftsteller und die wichtigsten Förderer und Sammler des Surrealismus, insbesondere Peggy Guggenheim. Keine andere prägte den Surrealismus als Sammlerin so sehr wie sie. Sie förderte die Künstler, folgte ihnen in das Exil in den USA, bis die engen Bande zu Bruch gingen und Guggenheim sich den Abstrakten Expressionisten zuwandte.

290 Exponate hat die Fondation Beyeler zusammengetragen und lässt die Besucher ganz in die Welt des Surrealismus eintauchen. Zur Ausstellung erschien ein wissenschaftlicher Katalog mit umfangreichem Bildmaterial – ein Kauf lohnt sich.

Eine Ausstellung in Düsseldorf will das ändern. „Die andere Seite des Mondes. Künstlerinnen der Avantgarde“ lässt acht Künstlerinnen der 1920er und 1930er Jahre ins Rampenlicht treten. Diese Zeit war geprägt von heftigen gesellschaftlichen und politischen Umbrüchen. Die Frauenbewegung war stark geworden, Frauen verlangten politische und gesellschaftliche Teilhabe und riefen nach sexueller Selbstbestimmung.

Vorgestellt werden neben Dora Maar auch Hannah Höch, Sophie Taeubner-Arp und Sonia Delaunay und die weniger bekannten Claude Cahun, Florence Henri, Katarzyna Kobro und Germaine Dulac. Sie alle hatten sich den radikalen Kunstbewegungen jener zeit angeschlossen, dem Surrealismus, dem Dadaismus oder dem Konstruktivismus. Sie alle zeichnen sich durch Unabhängigkeit, Offenheit und Selbstbewusstsein aus. Alle acht hatten ein Gespür für Themen und Trends ihrer Zeit. Vor allem die Rolle der Frau in der Gesellschaft war ihr Thema, aber auch ästhetische Fragen in der aktuellen Kunst waren maßgebliche Themen vieler Künstlerinnen.

Hannah Höch, Siebenmeilenstiefel, um 1934,
Photomontage, 22,9 x 32,29 cm, Hamburger Kunsthalle, Kupferstichkabinett
Foto: © VG Bild-Kunst, Bonn 2011, Foto: Christoph Irrgang, © Kunstsammlung NRW

So fortschrittlich die Avantgarde in Europa und en USA auch war, Frauen hatten es schwer und wurden im besten Falle skeptisch betrachtet oder milde belächelt. Die Ankaufspolitik der Museen wurde von Männern verantwortet und so wundert es kaum, dass nur selten Werke der Künstlerinnen angekauft wurden.

Hannah Höch zählte zu den Pionierinnen des Dadaismus. Sie hatte mit Raoul Haussmann den Dadaismus in Berlin mitbegründet, ihre zeitkritischen Collagen wurden zum Markenzeichen des Dadaismus. Auch Sonia Delaunay war eine Pionierin. Gemeinsam mit ihrem Ehemann Robert Delauney entwickelte sie den Orphismus, eine aus dem Kubismus entstandene Stilrichtung der Malerei, bei der Farbkreise aus Kontrastfarben zusammengesetzt wurden. Auch Sophie Taeubner-Arp hatte mit Hans Arp einen bekannten Künstler als Ehemann. Sie stand dem Dadaismus nahe und verknüpfte diesen mit geometrisch-abstrakter Kunst und wurde zu einer der ersten Vertreterinnen der konkreten Kunst in Europa.

Großen Respekt als Schriftstellerin genoss Claude Cahun in den Kreisen der Surrealisten. Ihre surrealistischen Fotografien gelten heute als radikalste Äußerungen weiblicher Identität in den 1930er Jahren. Cahun inszenierte sich darin als androgynes Wesen in einer surrealen Welt.

Besonders interessant sind aber die meist streng geometrischen Skulpturen der Bildhauerin Katarzyna Kobro, deren Ausstellung eine kleine Sensation ist, denn eigentlich dürfte ihr Werk gar nicht mehr vorhanden sein. In Polen versuche Kobro, ein Museum für Moderne Kunst in Lodz aufzubauen. Ferdinand Léger, Max Ernst und Sonia Delauney stifteten Werke, doch der Einmarsch der Nationalsozialisten machte diesem Unterfangen eine Strich durch die Rechnung. Kobros Werk wurde im Krieg in alle Winde verstreut und zerstört. Sie selbst musste ihre Holzskulpturen verbrennen, um kochen und heizen zu können. Nur sechs Jahre nach Kriegsende starb sie verarmt und vergessen in einer Einrichtung für unheilbar Kranke.

Der Besucher betritt die Ausstellung durch eine originalgetreue Rekonstruktion von Sophie Taeubner-Arps „Bar Aubette“ aus den Jahren 1926 bis 1928. Die mit abstrakten Kompositionen aus unterschiedlich farbigen Rechtecken ausgekleidete Bar stand einst in Straßburg. Anders als ihre männlichen Kollegen waren viele Künstlerinnen auch an der praktischen Anwendung ihrer Kunst interessiert. Delaunay verarbeitete ihre Muster zu Modedesigns, Kobro schuf architektonische Modelle.

Die Künstlerinnen waren hervorragend vernetzt. Sie waren in unterschiedlichen Künstlergruppen engagiert und kamen aus ganz Europa und doch hielten sie Kontakt. So waren Sonia Delauney und Sophie Taeubner-Arp eng befreundet und fuhren auch gemeinsam in Urlaub. Auch Florence Henri war mit den beiden gut bekannt. Man traf sich, schrieb sich Briefe und begutachtete das Werk der Kolleginnen.

230 Werke hat die Kunstsammlung NRW zusammen getragen, ein riesiges Konvolut. Direktorin Monika Ackermann und Kuratorin Susanne Meyer-Büser ist eine tolle Schau gelungen, leider werden die Künstlerinnen in jeweils eigenen Kabinetten präsentiert. Schöner und aufschlussreicher wäre es gewesen, wenn man die Werke einander gegenübergestellt hätte, um die gegenseitige Einflussnahme deutlicher erkennen zu können und erkennen zu können dass es einen regen Austausch und auch eine Beeinflussung gab. So muss man im reich bebilderten Katalog schmökern und die Lebensläufe der Künstlerinnen verfolgen.

Weitere Infos: Kunstsammlung NRW

Website: www.gdk-research.de

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