Einladung zur Ausstellungseröffnung “Koscher & Co” – im Jüdischen Museum Berlin
Foto: Bülent Gündüz

Wer sich für die Ausstellung interessiert: “Koscher & Co – eine Ausstellung über Essen und Religion” im Jüdischen Museum Berlin vom 09. Oktober 2009 bis zum 28. Februar 2010.

Auf die Idee sind sie allerdings nicht wirklich selbst gekommen, sie präsentieren die Werke der Ausstellung “Sechzig Jahre – Sechzig Künstler”, die am 30. April 2009 von Bundeskanzlerin Angela Merkel im Martin-Gropius-Bau in Berlin eröffnet wird. Gezeigt werden sechzig kunstgeschichtlich herausragende Arbeiten der Malerei, Skulptur, Fotografie und Installationskunst, die seit 1949 entstanden sind. Die Arbeiten stammen von sechzig Künstlern, darunter klangvolle Namen wie Georg Baselitz, Willi Baumeister, Joseph Beuys, Andreas Gursky, Rebecca Horn, Jörg Immendorff, Anselm Kiefer, Martin Kippenberger, Ernst Wilhelm Nay, Albert Oehlen, Sigmar Polke, Neo Rauch, Gerhard Richter und Günther Uecker.

Die BILD-Zeitung ist Medienpartner, so werden vielleicht auch einige Menschen in die Ausstellung gelockt, die sonst nicht kämen. Vorgestellt werden die Bilder und die Künstler in der BILD von renommierten Experten, außerdem kann man einen virtuellen Rundgang durch die Ausstellung unternehmen.

Was soll man nun über das alte Neue Museum oder das neue Neue Museum sagen? Viel wurde im Vorfeld gemeckert. Zu minimal, zu karg, zu viele offene Wunden, zu zeitgenössisch zu wenig altes wurde restauriert. Ich kann mich all dem nur begrenzt anschliessen. Chipperfield hat es geschafft, die alte Raumideen von Stüler zu erhalten, hat die Wunden, die dem Gebäude im zweiten Weltkrieg zugefügt wurden, nicht überkleistert und sie in das Ensemble eingefügt und mit modernen Mitteln neue architektonische Zeichen gesetzt, die sich nahtlos in das Gebäude einfügen, ohne allzu sehr aufzufallen. So hat es Chipperfield geschafft, die kühle preußische Architektur mit der einst reichen Bemalung und den Fresken zu erhalten ohne in ein historisches Pathos zu verfallen. Seine architektonischen Neuerungen nehmen die klaren, strengen Linien des Klassizismus auf ohne sie langweilig zu rezitieren.

Detail Treppenhalle
© Stiftung Preußischer Kulturbesitz/DavidChipperfield Architects
Fotografin: Ute Zscharnt

Alter und neuer Glanzpunkt ist das Treppenhaus, hoch wie eine Kathedrale mit offenem Dachstuhl, links und rechts Fragmente von Fresken und dann im Zentrum ein mächtiger Treppenaufgang. Chipperfield hat die Wunden an den Wänden sichtbar gelassen, die Ziegel nicht verputzt. Er hat die erhaltenen Fragmente der Fresken nicht vervollständigt, was ihm Unverständnis und gelegentlich den Vorwurf der Verstümmelung einbrachte. Die Treppe hat er aus Sichtbeton gegossen. Die ionischen Säulen des Erechtheions blieben erhalten, die Kopien der Statuen haben großen Fenstern Platz gemacht.

Ähnliches versuchten Chipperfield und sein Restauratorenteam auch in den Ausstellungssälen. Es wurde behutsam restauriert, wo nötig mit zeitgenössischer Architektur zurückhaltend ergänzt, aber nicht zugekleistert. Das ist gelungen und es kommt schon ein wenig freudige Erwartung auf, wenn man daran denkt, dass im großen Kuppelsaal bald die Nofretete stehen wird. Kein Raum ist wie der andere, nie wird es langweilig, immer gibt es schon am Bau etwas zu entdecken. Chipperfield hat zusätzlich ein paar spektkuläre Räume geschaffen wie etwa die Plattform, ein auf Säulen stehender nach oben offener Saal, dessen Wände aus matt schimmerndem Glas erbaut wurden. Überhaupt hat Chipperfield großen Wert auf die verwendeten Materialien gelegt. Umso erstaunlicher ist es, dass das Projekt statt der veranschlagten 230 Millionen Euro letztlich nur 200 Millionen Euro kostete. Man darf gespannt sein, wie die Exponate in den Räumen wirken werden.

Heinrich Zille, Ringkampf in der Schaubude, 1903
Kohle, Farbstift und Aquarell, 33,0 x 50,4 cm, Privatbesitz, Berlin

Zille entstammte einer sozial unterprivilegierten Familie. Die Familie war pleite, als sie 1867 nach mehrfachen Umzügen im Raum Dresden nach Berlin kam. Hier fand Zilles Vater, ein Schmied und Mechaniker, in der aufstrebenden Industriestadt bei Siemens & Halske einen Arbeitsplatz.

Zille selbst erlernte den Beruf eines Lithographen und arbeitete als Tiefdrucker bei der renommierten “Photographischen Gesellschaft”. Hier kam er mit den wichtigsten Reproduktions- und Drucktechniken in Berührung, zu deren Weiterentwicklung er beitrug. So entstand sein fotografisches und druckgrafisches Werk, das bald die Aufmerksamkeit liberaler Künstlerkreise im wilhelminischen Berlin erregten. Einer seiner wichtigsten Förderer wurde Max Liebermann, der das Besondere der Zilleschen Begabung und seinen mitunter dunklen Humor sehr schätzte.

1901 stellte Zille erstmals in der Berliner Sezession aus und wurde 1903 ihr Mitglied. Bei der Spaltung der Sezession zehn Jahre später schloss er sich der von Liebermann geführten “Freien Sezession” an. Enge freundschaftliche Kontakte verbanden ihn unter anderen mit Käthe Kollwitz, Ernst Barlach, Gustav Meyrink und Erich Mühsam. Die führenden illustrierten Zeitschriften wie der “Simplicissimus”, die “Jugend” und das in Wien redigierte Blatt “Der Liebe Augustin” druckten seine Arbeiten und übertrugen ihm Illustrationsaufträge. 1907 musste Zille den Schritt in eine freie Künstlerexistenz wagen, da ihm die Photografische Gesellschaft wegen seiner allzu freizügigen Zeichnungen kündigte. Im Jahr darauf veröffentlichte er sein Buch Kinder der Strasse, das in der Ausstellung den Titel und gleichsam das Zentrum bildet. Hierin sind die wichtigsten sozialkritischen Werke dieser Zeit versammelt. Fortan arbeitete er vor allem für Veröffentlichungen und Bücher, Künstleralben und Zeitschriften.

Der Erste Weltkrieg, dem Zille anfangs wie viele andere Künstler und Intellektuelle ambivalent gegenüberstand, unterbrach diese Produktivität. Zille arbeitete für die lithographische Zeitschrift Der Bildermann und zeichnete bis 1917 jede Woche ein Blatt für den Ulk, die Beilage zum Berliner Tageblatt, in denen er fiktive Kriegserlebnisse zweier deutscher Soldaten an den Fronten erfand. Aber Zille erkannte die Schrecken des Krieges und wandelte sich zum entschiedenen Kriegsgegner. Im Zyklus Kriegsmarmelade (1917/18) setzte er sichintensiv mit dem Krieg auseinader.

Zille Erster Hof im Krögel mit posierenden Kindern, Blick vom zweiten Hof, um 1896
Fotografie von Heinrich Zille, Abzug von Thomas Struth 1985
Privatsammlung München

In der Zeit der Weimarer Republik wurde Zille zu einer unumstößlichen Instanz in Berlin. Zille engagierte sich in der sozialen Frage, er unterstützte soziale und politische Initiativen, ohne sich direkt einer Partei anzuschließen. Verschiedentlich wurde er wegen „sittlicher Anstößigkeit“ einzelner erotischer Blätter angeklagt und in einem Fall auch verurteilt.

Heinrich Zilles Werk zählt wohl wieder zu den bekanntesten Unbekannten der Berliner Kunst udn auch der deutschen Kunst. Es ist zwar in zahllosen Bildbänden präsent, aber es ist nur selten durch Ausstellungen in seiner Einheit von künstlerischer Qualität und sozialer Genauigkeit gewürdigt worden. In den Berliner Museen war es in den letzten Jahren kaum zu sehen. Zille scheint im Bewusstsein vieler Menschen abgelegt als abgestandene Berlin-Folklore vom „Papa Zille“. Doch hat er nichts weniger verdient als das. Es ist an der Zeit, den sozialen Kern und die Empathie des Künstlers und seiner Arbeit für die Verlierer der Industriegesellschaft wieder freizulegen.

Seine Arbeiten wirken sehr aktuell in Zeiten der postindustriellen Gesellschaft und ihrer aktuellen Diskurse über die wachsende Armut und den gefährdeten Zusammenhalt der Gemeinschaft. Natürlich sind die Verhältnisse zu Beginn des 20. Jahrhunderts nicht mit denen von heute vergleichbar, aber Zilles Werk und seine entschiedene Parteinahme für die Verlorenen und Ausgegrenzten scheinen nichts an ihrer Kraft verloren zu haben.

Was man seinerzeit das „Lumpenproletariat“ nannte, der sozial vermeintlich handlungsunfähige Rest der Gesellschaft, der eigene Überlebensstrategien entwickelte, war Zilles erstes Forschungsfeld. Diese Menschen waren es, die Zille in seinen Arbeiten thematisierte, er hielt das Leben aus den Hinterhöfen und Seitengassen der Mietskasernen der Berliner Arbeiterviertel fest. Er veröffentlichte die berühmten graphischen Zyklen Hurengespräche (1913), Milljöh (1913), Zwanglose Geschichten und Bilder (1919), für die er auch die literarischen Texte schrieb, sowie Komm Karlineken, komm! (1924). Viele seiner Arbeiten tragen Kurzgeschichten oder herrliche Bonmots.

Zeichnungen, Skizzen, Grafiken und Fotografien werden in der Berliner Ausstellung in Gruppen so gegenübergestellt, so dass die Korrespondenzen zwischen den Medien erkennbar werden. Dabei ist zu bedenken, dass ein Großteil des zu Zilles Lebzeiten veröffentlichten Werks heute nicht mehr nachweisbar ist, die meisten sind Kriegsverluste, viele sind insbesondere durch die Emigration jüdischer Bürger in alle Welt verstreut. Es werden in Einzelfällen auch Reproduktionen besonders wichtiger Blätter gezeigt.

Im Mittelpunkt stehen neben den grafischen Zyklen die Abzüge, die der international renommierte Fotograf Thomas Struth in der Mitte der 1980er-Jahre gemacht hat. Sie sind als kongeniale „Einfühlung“ in die Zilleschen Negative aus dem Blickwinkel der Moderne zu betrachten und haben überdies eine höhere Informationsdichte als die patinagesättigten 6 x 9 Zentimeter messenden Kontakte, die die Berlinische Galerie besitzt. Auch so bedeutende Fotografen wie Michael Schmidt und Manfred Paul haben Zilles Negative „interpretierend“ vergrößert. Auch davon wird es Beispiele in der Ausstellung geben.

Im Anschluss an die Berliner Präsentation wird die Ausstellung in modifizierter Form im Lindenau-Museum in Altenburg zu sehen sein, wo sich eine der bedeutendsten Sammlungen sozialkritischer Grafik in Deutschland befindet. Im Sommer wandert sie in die Städtische Galerie Villingen-Schwenningen. Mehr Informationen über dei Ausstellung finden Sie unter: www.heinrich-zille.net

Die oberen Stockwerke des Tageslicht durchfluteten Baus nutzt Bastian zur Präsentation zeitgenössischer Kunst. In die unteren Räume ist die Galerie Contemporary Fine Arts eingezogen. Bastian eröffnet seine Räume mit einer Ausstellung zu Damien Hirst, die Galerie Contemorary Fine Arts mit Walter Pichler. Der Bau ist innen und außen eine wahre Augenweide und für den Ausstellungsbetrieb wirklich ideal. Allerdings wirkt er auf mich dort ein bisschen wie ein Fremdkörper, eine Lösung, die sich in die Architektur der Umgebung besser eingepasst hätte, wäre wohl klüger gewesen.

Foto: Jüdisches Museum Berlin/ Jens Ziehe

Neben dem Aufsehen erregenden Bau liegt ein dreiflügeliger Altbau aus dem 18. Jahrhundert, das ehemalige preussische Kammergericht. Es wurde bisher herabgewürdigt zum Eingangsgebäude für das eigentliche Museum. Doch jetzt braucht das Museum Platz. Den vom Altbau umschlossenen Ehrenhof durfte Architekt Libeskind deshalb jetzt für acht Millionen Euro überdachen.

Foto: Jüdisches Museum Berlin/ Jens Ziehe

Entstanden ist ein wahrer Prachtbau. Libeskind verglaste den Hof komplett. Sein Entwurf orientiert sich an den Sukkhas, den Laubhütten, mit denen gläubige Juden beim Laubhüttenfest dem Auszug aus Ägypten gedenken. Vier Bündel aus jeweils drei Stahlträgern, ineinander geschraubt, gedreht und geknickt, tragen ein Geäst aus horizontalen weißen Stahlträgern, die ein Glasdach und eine Glasfront halten. Und tatsächlich erinnert das Stahlgeflecht an ein Gewirr aus Bäumen und Baumkronen. Die asymmetrisch gefaltete Glasfront erinnert an einen textilen Vorhang.

Foto: Jüdisches Museum Berlin/ Jens Ziehe

Foto: Jüdisches Museum Berlin/ Jens Ziehe

Die Idee wirkt, ist inhaltsvoll ohne allzu bedeutungsschwer zu sein. Der Glaskörper strahlt Leichtigkeit aus, wirkt festlich und lichtdurchflutet. Der Raum ist wohltuend klar im Gegensatz zum architektonischen Extrem des Neubaus. Das Museum darf stolz sein auf seinen neuen Altbau. Am Dienstag wurde der neue Raum feierlich eröffnet.

Sein Verdienst: er ging lange vor dem Berlinhype bereits vor 25 Jahren in die geteilte Stadt und baute die Galerie Brusberg auf, die die Altmeister der Klassischen Moderne im Programm hatte. Außerdem widmete er sich intensiv auch der DDR-Kunst. Zu seinem Programm gehörten zum Beispiel Bernhard Heisig und Gerhard Altenbourg. Und schließlich: mir gefällt nicht nur seine Galerie und das Programm, sondern auch seine Ansichten zur Kunst im Allgemeinen und zur Gegenwartskunst im Speziellen. Ein kluger, kunstsinniger Mensch, von denen wir mehr bräuchten. Vielleicht wäre es dann um die zeitgenössische Kunst besser bestellt. Schade.

Dem Tagesspiegel hat Brusberg ein Interview gegeben, nachzulesen hier.

Der “Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart” zeigt bis zum 07. Oktober 2007 60 Arbeiten des Minimalisten. Dies ist die erste umfassende Retrospektive des Künslters in Deutschland. Leider ist Marden hier relativ unbekannt, obwohl er zu den bedeutendsten abstrakten Malern zählt. Kaum einer hat die Malerei der Minimal Art so beeinflusst wie er, so muss man ihn durchaus mit Namen wie Elsworth Kelly und Frank Stella in einem Atemzug nennen.

Marden strebt nach abbildloser Religiosität. Den Rhythmus der porportional aufeinander bezogenen rechtwinkligen Farbfelder und der späteren amorphen, verschlungenen Kurvaturen versteht der Künstler als Äquivalente menschlicher Emotionalität. Marden sieht sich als Mittler zwischen den Menschen und mystischen Kräften. Seine Farben mischte Marden aus Pigmenten und Terpentin, die er mit Bienenwachs versetzte. So wirken die Farben stumpf, als ob sie das Licht ansaugen und verschlucken.

Die Ausstellung zeigt, was für ein interessanter (und unterschätzter) Künstler Marden ist, ein Besuch der Ausstellung lohnt sich auf jeden Fall!

Mehr: www.bricemardeninberlin.org. Außerdem gibt es bei Google Video eine knapp einstündiges Interview mit Brice Marden.