Wie die Arbeiten in den Besitz des Mannes gelangten, ist unklar. Der Handwerker Pierre Le Guennec behauptet, Picasso und dessen Frau Jacqueline hätten ihm die Arbeiten geschenkt, als er Anfang der siebziger Jahre in den Villen des Malers in Südfrankreich Elektroinstallationen durchgeführt habe. In Picassos Villa “La Californie” in Cannes, im Château Vauvenargues sowie in seinem Landhaus in Mougins habe er Alarmanlagen eingebaut und elektrische Installationen in Stand gehalten. Picassos Erben jedoch halten eine Schenkung für höchst unwahrscheinlich und haben gegen den Elektriker Anzeige wegen Hehlerei erstattet. Da die Arbeiten weder signiert noch datiert sind, ist zweifelhaft, ob Picasso die Arbeiten tatsächlich aus der Hand gab oder sie weggeworfen hatte, denn der Maler war sehr gewissenhaft, was Datierung und Signierung seiner Arbeiten betraf. Möglich ist auch, dass die Arbeiten gestohlen wurden.

Im Januar hatte der Elektriker Kontakt zu Claude Picasso, Sohn und Nachlassverwalter des Künstlers, gesucht und um Echtheitszertifikate für 26 Werke gebeten. Dem Schreiben hatte der Mann unscharfe Fotos der Werke beigelegt. Im März sandte er Picasso 39 weitere Fotos und dann noch einmal 30 im April. Die Arbeiten hatten die letzten 40 Jahre in einem Pappkarton in der Garage gelegen. Angeblich wusste der Le Guennec nicht, wie wertvoll die Arbeiten sind.

Claude Picasso war höchst erstaunt und verzückt. Er teilte mit, dass er anhand der Fotos keine Beurteilung abgeben könne undr lud den Mann nach Paris ein. Im September besuchte ihn der Elektriker im Büro der Picasso-Administration. Im Gepäck hatte er 175 Werke des Künstlers, darunter zwei Mappen mit 97 Zeichnungen. Die Überraschung war groß, denn keine davon ist in den Archiven der Succession Picasso verzeichnet und niemand hatte sie bisher gesehen. Unter den Arbeiten auf Papier sind auch die neun “kubistischen Collagen” aus dem Jahr 1912. Sie galten als verloren, nachdem Picassos Atelier in Montrouge überschwemmt worden war. Im Besitz des Elektrikers befand sich außerdem ein Aquarell aus der blauen Periode, zahlreiche Gouachen, eine Serie von 30 Lithographien sowie mehr als 200 Zeichnungen.

Nachdem Mitarbeiter der Succession Picasso die Arbeiten mehrere Stunden gesichtet hatten, erstattete Claude Picasso Anzeige und die Staatsanwaltschaft in Grasse beschlagnahmte die Werke Anfang Oktober im Haus des Elektrikers. Niemals hätte sein Vater ein solches Konvolut verschenkt. Picasso galt als großzügig und habe schon einmal schweren Herzens ein Werk oder zwei verschenkt, diese jedoch stets signiert und datiert und meist auch eine Widmung hinzugefügt. Es sei unvorstellbar, dass sein Vater eine solche Menge an bedeutenden Werken verschenkt habe. Da ein Diebstahldelikt bereits verjährt wäre, erstattete man Anzeige wegen Hehlerei. Nun wird der Fall wohl vor Gericht behandelt.

Eine kleine Auswahl der Arbeiten zeigt La Libération.

In Munchs Werk ist die Liebe meist eng verknüpft mit Tod, Krankheit, Trauer. Liebe schien für Munch keine große Erfüllung zu sein, sein Leben war geprägt von eher problematischen Beziehungen zu Frauen. Munch hatte sich 1899 in Tula Larssen verliebt, eine junge Dame aus besserem Hause. Trotz seiner Aversion gegen die Ehe willigte Munch sogar ein, Tulla zu heiraten, doch für ihn war dies nur Fassade, um die Ehre des Fräuleins zu wahren. Die Beziehung war für beide aufreibend und endete im Streit. Larrsen schoss dem Maler bei einem Streit 1902 in die Hand. Es verwundert also nicht, wenn er einen im gleichen Jahr entstandenen weiblichen Halbakt mit dem Zusatz “Das Biest” verknüpfte.

Pablo Picasso, Homme et femme (Mann und Frau), Vallauris, 1962
Weiße und farbige Kreiden, Bleistift und Wachsstifte, farbige Lavierungen (Grundierung)
Foto: © Sprengel Museum Hannover/ Michael Herling/ Aline Gwose”

Ganz anders ist Pablo Picassos Umgang mit dem Thema. Sein Werk ist durchzogen von Liebe, Erotik und Sexualität. Kein anderer Künstler hat sich so intensiv mit dem Thema auseinandergesetzt, bei keinem anderen ist das künstlerische Werk so sehr Spiegel der eigenen Liebesangelegenheiten. Picasso erzählt Geschichten von Verlangen und Begierde, von Liebe und Lust. Seine Bilder sind immer auch Spiegel der persönlichen Liebesgeschichten: Abgesang auf eine endende Liebe, Vorbote für eine neue Liebe, Auseinandersetzung mit der eigenen Sexualität, Verlangen nach dem anderen Geschlecht.

Während für die Brücke-Künstler Liebe Teil eines utopischen Lebensentwurfes frei von bürgerlichen Zwängen war, war für Künstler wie Otto Dix, Christian Schad oder George Grosz Liebe und Sexualität vor allem Spiegel der gesellschaftlichen Verhältnisse der 20er und 30er Jahre des vergangenen Jahrhunderts. Die Künstler aus dem Kreis der Surrealisten konfrontieren uns mit Träumen von der Liebe, begierigen Fantasien aber auch Albträumen. Die Künstler der Nachkriegsgenerationen führen dem Betrachter dann existenzielle Fragen der Liebe vor Augen.

Die Ausstellung mit 190 Werken macht deutlich, wie sehr sich die Künstler mit der Liebe beschäftigt haben und in welcher Bandbreite es behandelt wurde. Meist sind Kunst, Liebe und Biografie der Künstler eng verwoben, die Sicht der Künstler sehr persönlich. Anders als die Maler vor ihnen malen die Künstler zu Beginn des 20. Jahrhunderts nicht mehr idealisierte Schönheiten oder porträtierten Damen des Hofes, sie malen ihre Geliebten, ihre Frauen, ihre Angebeteten oder Mätressen.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen. Weitere Informationen unter: www.sprengel-museum.de.

Am Fuße des Bergmassivs liegt das kleine Örtchen Vauvenargues, das von einem romantischen Schloss überragt wird. Dieses Anwesen erwarb Picasso 1958, lebte dort bis 1960 und nutze das Schloss als Atelier bis zu seinem Tod im Jahre 1973. Geerbt hat Chateaux de Vauvenargues Catherine Hutin, die Tochter von Picassos Frau Jacqueline aus erster Ehe. Seitdem ist das Haus verschlossen und nur den Mitgliedern der Familie Picasso zugänglich.

Der malerische Ort Vauvenargues, im Vordergrund das gleichnamige Chateau
Foto: Marie de Vauvenargues

Hutin wollte das Schloss langfristig für den Tourismus öffnen, doch die Einwohner des Ortes wehrten sich. Sie wollten keien Massentourismus in ihrem Ort und protestierten – nicht ganz unverständlich. Also entschloss man sich, dass Chateau wenigstens einen Sommer lang unter Auflagen für Besucher zugänglich zu machen. Nur in Gruppen und höchstens 75 Personen pro Tag dürfen noch bis zum 27. September 2009 das Schloss besichtigen. Danach ist Schluss.

Die wichtigsten Räume dürfen besichtigt werden: Schlafzimmer, Esszimmer, Badezimmer und Atelier, die Räume, in denen sich auch Picasso hauptsächlich aufhielt. Die Räume sind spartanisch eingerichtet. Picasso hing Werke von Künstlerkollegen auf, seine eigenen Bilder und Skulpturen bereicherten das Haus ebenfalls. Im Badezimmer prangt eine Wandmalerei, ein musizierender Faun, und das Kopfteil des Bettes sowie der Teppich im Schlafzimmer sind ebenfalls von Picasso entworfen worden. Im weitläufigen Park liegen die Gräber von Picasso und Jacqueline, die ebenfalls besichtigt werden können.

Wer nicht nach Südfrankreich pilgern kann oder will, dem sei das bei Feymedia erschienene Buch “Picassos Häuser” empfohlen. Der opulente Bildband beleuchtet Picassos Villen und Anwesen in Cannes, Vallauris, Mougins und das Chateau in Vauvenargues.

Weitere Informationen und Buchungen im Musée Grant, in dem zeitgleich die Ausstellung “Picasso Cézanne” zu sehen ist.

1904 schuf er mit Le Repas frugal seine erste Radierung. Das ambitionierte Blatt ist Auftakt eines immensen druckgraphischen Œuvre von mehr als 2000 Werken. Immer wieder schuf er ganze Serien wie die Radierungen der Suite Vollard oder die Suite 347. 1930 entstehen Radierungen zu den Metamorphosen des Ovid. 1935 entsteht als graphisches Hauptwerk der 30er Jahre die Radierung Minotauromachie, in der Picasso allegorisch seine von Spannungen geprägte persönliche Situation verarbeitet. 1970 erarbeitet Picasso eine Folge von 156 Blättern, die erst nach seinem Tod veröffentlich werden.

Picasso, L' homme à la fraise, 1963,
Succession Picasso, VG Bild/ Kunst, ProLitteris

Die Ausstellung zeigt eine repräsentative Auswahl von rund neunzig Blättern aus sämtlichen Werkphasen, von der Blauen Periode über den Kubismus bis hin zu den späten Druckgraphiken um 1970. Darunter befinden sich Werke wie der Farblinolschnitt L’Homme à la fraise und Radierungen aus der Suite Vollard. Die breite Palette der Themen reicht von den Saltimbanques, dem Illustrationszirkel Tauromachia und den Darstellungen des Künstlers mit seinem Modell bis zu den Porträts und bietet einen faszinierenden Einblick in das graphische Schaffen von Picasso.

Auch keramische Arbeiten finden sich immer wieder im Werk des Jahrhundertkünstlers. Über 4000 Objekte, vom Teller bis zur Skulptur, hat Picasso geschaffen. Die meisten entstanden in Vallauris in den Jahren 1947 bis 1972. Seine Beschäftigung mit Keramik wird oft als Picassos Versuch interpretiert, Bereiche der angewandten Kunst für sich zu entdecken. Leider wird dabei vergessen, dass Picasso durchaus auch praktische Aspekte der Kunst zu würdigen wusste und als Bühnenbildner, Buchillustrator und Plakatdesigner arbeitete. Hier schließt sich auch der Kreis, denn eines seiner wichtigsten Plakate war die Lithographie “Friedenstaube”, die Picasso 1947 für den Pariser Weltfriedenskongress entwarf.

Mehr: kunstmuseum-basel.ch und beyeler.com.

Man darf das Haus der Kunst also ruhigen Gewissens empfehlen. Wenn dann noch eine Ausstellung gastiert, die das Label “Centre Pompidou” trägt, gerät man erst recht in Verzückung und Erregung. Die nun gezeigte Schau “Spuren des Geistigen” (bis 11. Januar 2009) will sich auf die Suche nach dem Spirituellen in der Kunst machen. “Spuren des Spirituellen” oder “Spuren des Heiligen” wäre wohl eine bessere Übersetzung von “Traces du Sacré” gewesen.

Mit der Säkularisierung der Gesellschaft im 19. Jahrhundert hat sich die Kunst von den klassischen Bildsujets der Heiligen und der Bibelszenen abgekehrt. Eine neue Bildsprache hielt Einzug. Dies bedeutete jedoch nicht das Ende der Metaphysik. Aber die KünstlerInnen begeben sich auf die Suche, hinterfragen und versuchen Offenbarungen des Göttlichen im Alltag zu finden.

Andreas Gursky, Kathedrale I, 2007,
Copyright: Andreas Gursky / VG Bild-Kunst, Bonn 2008
Courtesy: Monika Sprüth / Philomene Magers, Köln München London

In 16 Kapiteln fächert die groß angelegte Ausstellung zentrale Themen verschiedener Epochen seit der Romantik auf: von Götterdämmerung über Ritual, Kosmos, Trance und Profanierung bis hin zur psychedelischen kunst der Beatgeneration, Zen oder zeitgenössischen Sakralkunst. Werke der Gegenwart treten dabei mit jenen des 19. und 20. Jahrhunderts in einen Dialog.

So weit so gut. Einen Besuch ist die Ausstellung auch deshalb wert, weil sie großartige Werke vereint. Aber wozu? Die Ausstellung erscheint wie ein Sammelsurium aus Depotstücken des Centre Pompidou, die das Pariser Museum einfach mal wieder ans Licht der Öffentlichkeit zerren wollte.

Allein das Ausstellungsthema ist so schwmmig gewählt, dass nahezu jedes Kunstwerk der letzen 150 Jahre darin Platz finden könnte. Kaum ein Werk, in dem sich mit ein bisschen gutem Willen nicht Spuren des Geistigen finden lassen. Nahezu überall lässt sich die Suche des Künsters nach Gott, nach dem Spirituellen, ausfindig machen.

Los geht es mit Goyas “Los Desastres de la Guerra”, eine fast schon erschrockene Erkenntnis über das Böse in der Welt. Dann folgen Caspar David Friedrichs romantische “Ruinen in der Abenddämmerung” von 1831, eine Verklärung der Natur. Natürlich dürfen auch De Chririocos Metafiscia-Bilder nicht fehlen. In der Ausstellung sind “Die Sehnsucht nach dem Unendlichen (1912/13) und “Der große Metaphysiker” von 1917 zu sehen.

Und dann? Es geht quer Beet. Kandinsky? Klar, der hat sich intensiv mit dem Spirituellen in der Kunst auseinandergesetzt und sogar ein Manifest zum Thema verfasst. Malewitsch? Die Suche nach dem Absoluten, nach dem Nullpunkt in der Kunst ist auch Suche nach dem Ursprung der Welt. Kann man aufhängen. Man Ray? Der ist mit “Das Gebet” vertreten. Eine junge Frau, kniet nieder und bückt sich nach vorne. Ihre Scham bedeckt sich mit den Händen von hinten. Eine Anspielung auf den Ursprung der Welt, das göttlich Weibliche? Na ja, gut, rein damit. Aber Picassos Frauenbüste (1907)? Massons Dionysos? Duchamps “Gebüsch”? Pollocks “The Moon-Woman cuts the circle”? Es beginnt die Beliebigkeit.

Erst in der zeitgenössischen Kunst wird es wieder klarer, versteht man wieder, worum es gehen soll. Viele Künstler beschäftigen sich mit der Suche nach dem Heiligen. Manche versuchen dem Betrachter zu erklären, dass Gott längst tot ist, andere sind auf der Suche und spüren dem Göttlichen nach und wieder andere wollen dem Betrachter förmlich das Göttliche im Menschen und seiner Welt offenbaren.

Andreas Gursky hält mit der Kamera Spuren des Göttlichen in Kathedrale I (2007) fest, als transzendentale Atmosphäre. Allerdings ist die Kirche leer und Gott durch ein überdimensionales Loch im Boden abgehauen. Bruce Nauman erklärt uns mit “The True Artist Helps the World by Revealing Mystic Truths” (1967) die Aufgaben eines Künstlers und Martin Kippenberger sorgt mit dem zweideutigen “Was ist der Unterschied zwischen Casanova und Jesus? Der Gesichtausdruck beim Nageln” (1990) für Provokationen. Ein Frosch mit leidendem Gesichtsausdruck und heraushängender Zunge ist an ein Kreuz genagelt.

Ein Besuch der Ausstellung lohnt sich, weil einfach viel Kunst auf hohem Niveau vertreten ist, aber das Thema der Ausstellung ist einfach nicht treffend genug dargelegt, zu weitschweifig, der Katalog nicht wirklich erhellend. Schade darum, hätte man sich etwas mehr auf das Wesentliche konzentriert, hätte das durchaus schön werden können.

Plakat zur Ausstellung

Eigentlich ist eine solche Ausstellung ja keine Neuigkeit mehr. Grafik, Zeichnung und Bildhauerei waren auch bei Picasso, Matisse und Kirchner beliebte Medien, die gerne und oft genutzt wurden. Und doch ist die Ausstellung sensationell und das liegt vor allem an zwei Umständen.

Zum Einen ist es der Dialog, den die Werke miteinander eingehen. Da steht Edgar Degas’ “Probe im Foyer de la danse” der wunderbar filigranen Skulptur “Kleine vierzehnjährige Tänzerin” gegenüber. Neben Picassos Ölgemälde “Jacqueline” steht der überdimensionierte bemalte Blechkopf der Angebeteten. Überhaupt sind Skulpturen und Bilder von Picasso überragend, vielleicht, weil Picasso nie einem Medium dem anderen den Vorzug gab. Insofern ist es vielleicht auch falsch, Picasso als Maler hinzustellen, der auch bildhauerisch tätig war. Auch Matisse wundervolle Gemälde werden den ebenso schönen Skulpturen gegenübergestellt und zeigen, wie wichtig auch Matisse das Arbeiten im Raum war. Ähnliches gilt für Kirchner, dessen Skulpturen den Bildern entsprungen zu sein scheinen, so ähnlich sind sie sich in ihren äußeren Formen.

Spannend ist die Ausstellung aber auch da, wo sie Künstler, die in der öffentlichen Wahrnehmung als Maler gesehen werden, als Bildhauer zeigt. Da sind zum Beispiel die skulpturalen Arbeiten von Joan Míro, der seine ganz eigene malerische Formensprache auf die Skulptur überträgt. Auch Dubuffets “Tour ballerine” von 1964 sieht ein wenig so aus, als ob sie einem Dubuffet-Bild entsprungen ist. Auf der unregelmäßigen udn zerklüfteten oberfläche eiens Monolithen prangen die üblichen Schraffuren in Schwarz, Rot und Blau, unterbrochen von Weiß. Und auch der Marc Chagall ist mit Skulpturen vertreten. Auch seine Skulpturen haben große Ähnlichkeit mit seiner Bildsprache.

140 Werke hat Kurator Jean-Louis Prat aus 40 Museen und Sammlungen zusammengetragen. Neben den bereits genannten sind auch Georg Baselitz, Max Beckmann, Georges Braque, Honor&eacute, Daumier, Edgar Degas, Max Ernst, Paul Gauguin, Alberto Giacometti, Yves Klein, Willem de Kooning, Markus Lüpertz, Amedeo Modigliani, A.R. Penck, Antoni Tàpies und Cy Twombly vertreten.

Eine tolle Ausstellung, die manche Überraschung birgt. Unbedingt ansehen! Mehr unter: Museum Sammlung Frieder Burda. Zur Ausstellung ist ein Katalog im Hatje Cantz Verlag erschienen.

Bis zum 30. März 2008 präsentiert das Museum Ludwig eine der weltweit größten und bedeutendsten Mondrian- Sammlungen. Mit rund 70 Gemälden und Papierarbeiten wird die Werkentwicklung Mondrians nachgezeichnet von seinen frühen impressionistischen Werken in der Manier der Haager Schule, über seine Begegnung mit dem analytischen Kubismus von Braque und Picasso, die seinen Weg in die Abstraktion lenkte, über die Gründung von De Stijl 1917 bis zum Neoplastizismus.

Komposition mit großer roter Fläche, Gelb, Schwarz, Grau und Blau, 1921
© Mondrian/Holtzman Trust, c/o HCR International, Warrenton VA USA

Selbstverständlich werden auch die zu den Ikonen der klassischen Moderne zählenden Kompositionen aus roten, gelben und blauen Rechtecken in einem System aus schwarz-weißen rechtwinkligen Konstruktionen gezeigt. Diese haben sich zu einem regelrechten Markenzeichen des Künstlers entwickelt.

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht der künstlerische Prozess den Mondrian auf dem Weg zur Abstraktion durchlief. Mondrian selbst schrieb bereits 1914: „Die Leute halten meine Werke grundsätzlich für ziemlich unbestimmt. Ich entwerfe Felder aus Linien und Farben auf einer Oberfläche, um eine universale Schönheit plastisch zum Ausdruck zu bringen. … Die Natur (oder das Sichtbare) regen mich an …, aber ich will mich der Wahrheit so weit wie möglich nähern; dafür abstrahiere ich soweit bis ich zum Wesen der Dinge vordringe … Ich bin sicher, indem man vermeidet, alles eindeutig auszudrücken, gelangt man zum Ausdruck des Endgültigen schlechthin: der (allumfassenden) Wahrheit.“

Blühender Apfelbaum / Flowering Apple Tree, 1912
© Mondrian/Holtzman Trust, c/o HCR International, Warrenton VA USA

Besonders schön ist die Ausstellung da, wo die Abwendung vom Abbild hin zur Abstraktion sichtbar wird. Das ist vor allem in dem Raum sichtbar, wo aus dem einsamen Baum auf dem Feld ein Gewirr aus Linien wird und schließlich eine geometrische Komposition. An einer Wand sind die Akte und Porträts versammelt, die über Anklänge von Kubismus zu abstrakten Flächen werden. Die Ausstellung beginnt mit den frühen expressionistisch anmutenden Arbeiten und führt über flächige Abstrahierungen in knalligen Farben hin zu den abstrakten Kompositionen bis zu den bekannten geometrischen Arbieten, die Piet Mondrian so bekannt machten. Die Ausstellung, klein aber fein, zeigt perfekt auf, warum Mondrian dort anlangte und wie stringend die Entwicklung des Niederländers war. Eine wirklich sehenswerte Ausstellung, die gut ausgeleuchtet ist, allerdings spärlich erklärt – um nich tzu sagen ga rnicht. Wer Erklärungen haben will, sollte sich den Ausstellungsführer für einen Euro leisten oder gleich zum Audioguide greifen. Allerdings sprechen die Bilder auch für sich.

Parallel zur Präsentation der Mondrian Ausstellung in Köln schickt das Museum Ludwig seine Picasso-Sammlung nach Den Haag. Es handelt sich hierbei um die weltweit drittgrößte Kollektion des Künstlers Pablo Picassos, die einen Überblick über alle Schaffensphasen und Techniken gibt. Bis zum 30. März 2008 wird sie im Gemeentemuseum in Den Haag dem niederländischen Publikum offen stehen.

Jetzt ist das Saarlandmuseum in Saarbrücken an der Reihe. Man widmet Picassos Arbeiten der 50er Jahre eine Ausstellung. Ehrlich gesagt, war das die schlechteste Wahl, denn Picasos Werk jener Jahre ist nicht eben sein bestes, es markiert den Übergang von seinen grandiosen Arbeiten der Vorkriegszeit zum überwältigenden Spätwerk der 60er Jahre. Seine Form- und Bildersprache jener Jahre ist ein wenig von der Suche gekennzeichnet. Er übernimmt stilistische Elemente der Vorkriegszeit und packt sie in eine neue Formensprache. Informel und abstrakter Expressionismus hinterlassen auch bei Picasos ihre Spuren.

Man kann sicher darüber streiten, wie sinnvoll die Einteilung eines künsterischen Werkes in Dekaden ist und in diesem Fall sehe ich das eher als problematisch an. Hinzu kommt, dass die Ausstellung einige Aspekte an den Rand drängt. So experimentiert Picasso in jenen Jahren intensiv mit Keramik. Auch sein grafisches Werk und die Plastiken jener Jahre darf man nicht vernachlässigen. Doch all das kommt in der Ausstellung nicht wirklich vor. Vielleicht wäre das von einem kleinen Museum aber auch viel verlangt.

Kann man sich eine Ausstellung zu Picasso mit knapp 70 Werken entgehen lassen? Nein, für Picasso-Fans und Menschen, die keine allzu weite Anreise vornehmen müssen, lohnt sich die Ausstellung ganz sicher. Mehr auf den Internetseiten des Saarlandmuseums.

Umso erfreulicher ist die bis zum 06. Januar 2008 laufende Ausstellung “Bonjour Russland” im Düsseldorfer “museum kunst palast”. Zum ersten Mal sind in Deutschland nebeneinander französische und russische Meisterwerke aus vier russischen Museen zu sehen. Den Fokus legt die Ausstellung auf die Jahre von 1865 bis 1925, jene Zeit also, in denen die Franzosen die Avantgarde waren und die Russen die Avantgarde wurden, für einen kurzen, genialen Moment lang. Schön wird in der Ausstellung sichtbar, wie sehr doch die russsischen Künstler von den Franzosen lernten, um daraus dann einen eigenen Form- und Malstil zu enwickeln. Sie fanden ihre eigene Sprache und liessen diese dann in der totalen Abstraktion kummulieren, die so wichtig für die Kunst des 20. Jahrhunderts war.

Die Ausstellung vereint Klassiker der Moderne, von den französischen Malern Cézanne, Matisse, Gauguin und Renoir bis zu den Russen Repin, Lentulow, Gontscharowa, Kandinsky, Tatlin, Malewitsch und vielen anderen. Alle sind versammelt: Impressionisten, Realisten, Naturlaisten, Symbolisten, Fauvisten, Kubisten, Primitivisten, Futuristen, Kubofuturisten, Suprematisten. Die Ausstellung gliedert sich in vier Kapitel: “Russische Kunst des Realismus und der Einfluss des französischen Naturalismus, Die Sammlungen Morosow und Schtschukin, Diaghilew und die “Welt der Kunst” und Russische Moderne: vom Primitivismus zur Abstraktion.

Die “Befruchtung” der russischen Künster (und natürlich Künstlerinnen) ist vor allem zwei Dingen zu verdanken: den Reisen der Russen nach Paris, vor allem aber den beiden Sammlern Iwan Morosow und Sergei Schtschukin und dem “Ballets Russes”-Gründer Sergei Diaghilew. Während die beiden Sammler, beide waren Textilhändler, vor allem durch ihre Sammelleidenschaft französische Kunst nach Russland brachten, war Diaghilew durch Ausstellungen französischer Kunst in Russland und russischer Kunst in Westeuropa Motor des Kulturaustausches. Aber auch der Einfluss der künstlerischen Vereinigungen der Russen wie “Die Wanderer”, “Karo-Bube” und “Welt der Kunst” ist nicht zu unterschätzen.

Die Ausstellung ist ein großer Wurf, selten waren in Deutschland so viele Meisterwerke in einer Ausstellung zu sehen und auch die Idee, russische und französische Meisterwerke zu vereinen um die Beeinflussung aufzuzeigen, ist Klasse. So wird offensichtlich, welch großen Einfluss die Franzosen hatten und wie wichtig ihre Arbeit für die Kunst des 20. Jahrhunderts war. Dass Picasso Spanier war und die Futuristen Italiener, sei mal verziehen.Leider gibt es aber ein paar Makel. Die Ausleuchtung und Hängung der Werke ist katastrophal. Viele der Bilder hängen relativ hoch, durch die schlechte punktuelle Ausleuchtung spiegeln die Bilder und das obere Drittel der Werke ist manchmal nur schwer erkennbar. Man muss dann schon experimentieren, um den optimalen Standpunkt zum betrachten des Bildes zu finden. Schade drum.

Leider verfehlt die Ausstellung auch ihr Hauptziel, das Aufzeigen der Beeinflussung, die fast schon stringente Entwicklung, die die Kunst in Russland nahm. Der rote Faden fehlt, die Ausstellung wirkt ein bisschen wie eine zusammenhanglose Präsentation der besten Werke aus russischen Museen. Die 125 Arbeiten sind stark chronologisch und nach Sammlungen gehängt, was das Erkennen der Zusammenhänge ohne Katalog und/ oder Audioguide für die Besucher, die sich nicht tagtäglich mit Kunst beschäftigen, sehr erschwert. Die knappen Ausstellungstexte, auf Fahnen gedruckt, tragen auch nicht gerade zur Erhellung bei.

Trotzdem ist “Bonjour Russland” eine kleine Pilgerfahrt wert und angesichts der ausgestellten Meisterwerke überaus lohnend. Wenigstens die Entwicklung der Abstraktion wird recht deutlich sichtbar, zuerst die Zersplitterung des Bildgegenstandes bei den Kubisten, dann die Reduzierung der Form und letzlich die totale Abstraktion in Malewitschs Werken. Und immer wieder gilt es, zu betonen, wie wichtig die russsiche Avantgarde für die Kunst des 20. Jahrhunderts war und dass es mehr als nur den geschmacklosen sozialistischen Realismus gab. Und letzlich gibt es auch ein paar spannende Entdeckungen wie Michail Wroubels “Seraph”, der einem fast den Atem nimmt, angesichts der Kühnheit, mit der das Werk gemalt wurde.

Tchibo gesteht ein “Mißverständnis” ein und bietet den Käufern eine Rückgabe gegen Erstattung des Kaufpreises an. Brav!

Quelle: DIE WELT